¡Hola a todos y bienvenidos a todos una vez más a Críticas en Cápsulas! En esta cuarta entrega de la sección os traemos cinco cintas de géneros muy variados y opiniones en su mayoría bastante positivas de mi parte. Dicho esto, comencemos con las reseñas en miniatura: El Vicio del Poder, de Adam McKay
Brutal retrato político sin una pizca de piedad hacia el entorno y los personajes que trata. Vemos como actúa su frío protagonista, la manipulación a la que se sometieron los ciudadanos norteamericanos, los entresijos de la Casa Blanca y las mentiras que contaba el señor Dick Cheney. Christian Bale nos vuelve a deleitar con un recital interpretativo en el que nos sorprende más allá de su impactante cambio físico, y el cual está muy bien arropado por sus convincentes compañeros de reparto (donde destacan caras conocidas como Amy Adams, Steve Carell o Sam Rockwell). La historia es narrada con mano de hierro, cabalgando a medio camino entre la comedia desvergonzada y el biopic de investigación, y también a un ritmo dinámico gracias a su espectacular montaje, el cual resulta una maravillosa mezcla de realidad, documentos reales y algunas locuras narrativas que no sé como explicar. Ha conseguido varios galardones en temporada de premios y seguirá logrando. Green Book, de Peter Farrelly
Es una de estas historias que ya me sé, pero que siguen funcionando de maravilla. Muy entrañable historia de amistad donde el conocido director de comedia Peter Farrelly se pone serio, con un dúo protagonista soberbio, con un Mahershala Ali espléndido que es carne de premios y un sorprendente Viggo Mortensen que ofrece su faceta más entrañable y a su vez la más ruda, además de una puesta en escena muy cuidada y un mensaje final precioso. Es ese tipo de cine que una vez termina te pones a pensar: ¿por qué el mundo no puede ser así de hermoso? Una road movie canónica que a pesar de las polémicas de su director seguro que también rascará sus galardones en la gala de los Óscar. Sin duda, los merece. La Favorita, de Yorgos Lanthimos
La nueva obra de este excéntrico director griego es mi favorita (valga la redundancia) de esta carrera de premios cinematográficos, al igual que mi preferida de lo que llevo visto de la filmografía de su autor. Una sinopsis que promete una comedia dramática de época es en realidad un caballo de troya del propio director hacia el público, que sigue manteniendo sus alocados juegos de cámara (aquí llega un paso más allá, donde juguetea con el ojo de pez), sus incómodas líneas de diálogo, su ácido e incomprendido humor negro y los caricaturescos personajes característicos de su cine. Y eso para los fans de Lanthimos no es inesperado. El trío de actrices compuesto por Emma Stone, Olivia Colman y Rachel Weisz se merece todas las alabanzas posibles, con el cual podemos pasar junto a ellas de la risa al llanto en cuestión de segundos, y haciendo una corta parada por el terror. Si después de todos los galardones no se llevan la famosa estatuilla dorada me voy a cabrear mucho, porque su labor es titánica en lo que para mí es una joya en bruto que no todo el mundo disfrutará por igual. Velvet Buzzsaw, de Dan Gilroy
El adelanto de esta nueva propuesta de Netflix prometía toda una fórmula ganadora: el regreso del dúo formado por Gilroy y el famoso Jake Gyllenhaal que tan bien funcionó en la sensacional ´Nightcrawler´ en una nueva crítica social en clave cinematográfica, esta vez sobre arremetiendo contra el frívolo mundo del arte contemporáneo. ¡Y además con tintes de slasher! ¿Qué podría salir mal? Pues con el resultado ya visto, hay más cosas fallidas de lo esperado. Aunque el señor Gyllenhaal nos vuelva a traer un recital actoral encarnando al excéntrico protagonista y el elenco de secundarios esté muy resultón, la cinta no es tan transgresora como prometía, resultando una sátira que funciona a ratos, al igual con sus destellos de cine de terror y truculencia. No obstante, Gilroy nos trae aquí una propuesta muy interesante a la que merece la pena echarle un vistazo, aunque no deje el poso ni tenga la locura (tanto visual como narrativamente hablando) que esta propuesta exigía. Este reverso chungo de ´Zoolander´ resulta bastante entretenido pero a su vez muy desaprovechado. Una pena. El Reino, de Rodrigo Sorogoyen
Aquí nos ocupa otro excelente retrato de la política actual (en este caso acerca de la situación española) donde Sorogoyen, el cual lleva años arrasando en temporada de premios cinematográficos en España y que este año está nominado al Óscar a mejor cortometraje por su ´Madre´, nos trajo una película muy oportuna y que será recordada mientras dure este sistema político que nos ocupa hoy día. El director madrileño es uno de los mejores directores patrios de los últimos años, y si me apuráis uno de los mejores autores del thriller reciente. Esto es nuevamente confirmado con este filme, el cual no te suelta ni un solo segundo, con un ritmo ágil y un brío visual impecable (con planos secuencia desde atrás del protagonista y propuestas creativas con la cámara excelentes), además de sus vibrantes actuaciones donde todos y cada uno de los miembros del reparto están soberbios (aunque Antonio de la Torre se lleva la corona, está desatado) y una música en un tono agobiante y acelerado como el propio protagonista. Es increíble como se han llevado un relato sobre política a su terreno, al del thriller, sin perder ni un ápice de verosimilitud. Da mucho que pensar sobre la sociedad de hoy en día pero sin olvidarse de mantener a su público pegado al asiento durante las dos horas que dura la cinta. Decir que sus galardones son merecidos es quedarse corto. Y esto ha sido todo, espero que hayáis disfrutado la lectura, apoyéis esta entrada si os ha gustado (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) y si habéis visto alguna de estas cinco películas, me contéis vuestra opinión sin ninguna vergüenza en los comentarios, y si no las habéis visto, ya sabéis, ¡dadle su respectiva oportunidad que para eso está el cine! Y después de toda esta parrafada, solo me queda despedirme. ¡Nos leemos pronto!
Muy buenas a todos y bienvenidos a una entrada un tanto especial para dos frikis comiqueros como nosotros, donde reseñaremos dos películas de rabiosa actualidad, como son ´Spider-Man: Un Nuevo Universo´ y ´Aquaman´, de las factorías Marvel y DC (y parece que eternamente comparadas entre sí) respectivamente, siendo las dos interesantes propuestas superheróicas a tener en cuenta. No faltan los velados comentarios sobre Stan Lee y Ditko ni tampoco está exenta de nuestra opinión sobre el irregular universo cinematográfico de DC. Espero que os guste esta extensa entrada y si habéis visto ya sea uno de los dos filmes o las dos películas deis vuestra opinión en los comentarios. Empecemos con la reseña de ´Spider-Man: Un Nuevo Universo´:
Título original: Spider-Man: Into the Spider-Verse
Año: 2018
Duración:117 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman
Guión: Phil Lord, Rodney Rothman, Dan Slott, Meghan Malloy (Personajes: Stan Lee, Brian Bendis, Sara Pichelli, Steve Ditko. Historia: Phil Lord)
Música: Daniel Pemberton
Productora: Sony Pictures Animation / Marvel Animation / Marvel Entertainment / Columbia Pictures / Pascal Pictures / Sony Pictures Entertainment / Lord Miller / Avi Arad Productions / Columbia Pictures
Sinopsis: En un universo paralelo donde Peter Parker ha muerto, un joven de secundaria llamado Miles Morales es el nuevo Spider-Man. Sin embargo, cuando el líder mafioso Wilson Fisk (a.k.a Kingpin) construye el ´Super Colisionador´ trae a una versión alternativa de Peter Parker que tratará de enseñarle a Miles como ser un mejor Spider-Man. Pero no será el único Spider-Man en entrar a este universo, 4 versiones alternas de Spidey aparecerán y buscarán regresar a su universo antes de que toda la realidad colapse.
De pequeño yo soñaba con ser como Spider-Man algún día. Yo también tenía ese afán de querer lanzar las telarañas, enredarme en un intrincado sentido de la responsabilidad y zurrarme con villanos a tiempo parcial mientras ocultaba mi identidad secreta de familia y amigos. Si no hubiese sido por los padres fundadores del hombre araña Stan Lee y Steve Ditko creo que no sería la misma persona que soy ahora. Ni tendría los mismos buenos recuerdos como los que he pasado con ellos. Les debo muchos buenos ratos y otros tantos millones de personas que también se enfrascaron y hoy día siguen adentrándose en sus viñetas, ya sean obra de ellos o de su legado. Desafortunadamente, la vida no es eterna y el momento en el que los creadores de montones de historias y referentes para futuras generaciones comiqueras dejasen de redactar aquellas maravillosas líneas tenía que llegar. Primero le tocó a Ditko en junio, y meses más tarde a Stan Lee, este pasado noviembre.
Con la muerte del co-creador de Marvel Comics aún reciente, de repente nos llega una nueva cinta del héroe arácnido, esta vez en formato animado, habiendo sido su última adaptación en pantalla hace un año escaso y la (desastrosa) reciente aportación al universo cinematográfico de Spidey hace dos meses y medio que suponía Venom, de la que tenéis nuestra crítica también. Con cierto escepticismo debido a los problemas ya vistos con Sony a la hora de hacer filmes del hombre araña, este maravilloso homenaje al personaje y a sus creadores nos llega justo en el momento que más lo necesitábamos los fanáticos del cómic. Porque lo que sentí en esa sala de cine fue más allá de las palabras. Volví a sentirme un niño. Volví a sentirme dentro de las viñetas de Ditko y Lee (este último tiene un fantástico cameo, como es costumbre en los films marvelitas, probablemente el último). Reí, lloré y sobre todo, disfruté. Hasta me atrevería a decir que es de las mejores películas de superhéroes de los últimos años (habiendo salido el mismo año que la apoteósica ´Vengadores: Infinity War´) y para mí la segunda mejor adaptación del Hombre Araña, pese a no tener muy recientes los filmes de Raimi.
Tanto los amantes que han crecido toda su vida acompañados por este personaje, ya sean adultos o niños, como los que quieran introducirse en este fascinante universo están de enhorabuena, pudiendo disfrutar de todo un despliegue visual. A nivel técnico la animación termina logrando en conjunto una experiencia espectacular. El montaje de las transiciones, la fluidez de los movimientos y el estallido de colores que supone el filme la convierte en un cómic viviente, teniendo incluso escenas narradas mediante bocadillos u onomatopeyas empleadas para diversos gags, lo que la convierte en la película que más fiel es a la estética comiquera en el ámbito cinematográfico. En un principio la arriesgada animación por la que han optado puede resultar extraña, pero se entra en su juego sin pestañear y enseguida ya estás acostumbrado a su locura visual. Conforme avanza la historia y se entrelazan los mundos descubrimos que la apuesta permite mezclar casi cualquier combinación estética (incluso se atreven a juguetear con el anime) y salir victoriosa. Derrocha libertad creativa por los cuatros costados y se siente constantemente un producto fresco y, sobre todo, muy libre.
Y eso es solamente lo que rodea el aspecto técnico. En el narrativo es donde la cinta logra su mayores logros. La narrativa va a ritmo de infarto, con todo pensado hasta el más mínimo detalle y que no tiene ni un minuto que perder a la hora de presentar su complejo universo, resultando una historia endiabladamente entretenida. La historia está perfectamente hilada y desarrolla perfectamente a cada uno de sus variopintos personajes. A nivel general de guión se debe destacar la excelente evolución de arco de Miles Morales, cuyo carisma hace que el papel protagonista no le pese. Los demás personajes, no exentos de carisma, también tienen sus momentos de gloria, donde cabe destacar la labor del versátil Nicholas Cage (también actor de doblaje en el divertidísimo film de Teen Titans Go!) como el Spider-Man Noir, donde nos da una divertidísima faceta de él que pocas veces habíamos visto en pantalla. Peter B. Parker y Spider Gwen también se roban el show cada vez que aparecen en pantalla, el Spider-Cerdo es adorable y Peni Parker un toque de cultura oriental muy interesante, aunque su personaje es el que peor parado sale de los anteriormente mencionados, sin tener muchos momentos para lucirse.
Su banda sonora es muy destacable, donde predominan las canciones de hip-hop que nos introducen aún más en esos suburbios de Brooklyn donde se sitúa Miles, además de la orquestación sinfónica de Daniel Pemberton (el compositor de la banda sonora del Rey Arturo de Guy Ritchie) y otros temas de carácter urbano que encajan perfectamente con la película y su desarrollo. Tengo ´Sunflower´ de Post Malone y Swae Lee sonando constantemente en mi cabeza por su culpa.
Creo que nada de lo que os he contado anteriormente se acerca ni un poco a la experiencia que supone visionar ´Spider-Man: Un Nuevo Universo´, tienes que verla con tus propios ojos y sentirla tú mismo. Un hermoso homenaje a nuestro amigo y vecino Spidey y sobre todo, a sus dos míticos creadores, los principales referentes para la gestación de este espectáculo audiovisual. Una animación de lujo y unos personajes encantadores en la película más arriesgada del personaje pero a su vez una de las que más esencia de su hombre araña tiene. Una mezcla de propuestas que hará las delicias de los más pequeños y también de los fanáticos más entrados en años del personaje. Todo aficionado del cómic o los superhéroes que se precie no debería perdérsela. Magnífica. PD: La película termina también con una mítica cita de Stan Lee:
´Esa persona que ayuda a los demás simplemente porque debería o debe hacerse, y porque es lo correcto, es, sin duda, un verdadero superhéroe.´ La premisa central de ´Spider-Man: Into The Spider-Verse´ es que cualquiera puede hacer lo que Spider-Man hace si tienes la motivación necesaria (y los poderes, claro). No importa cuál sea tu edad, raza, género o religión, todos podemos ser un héroe. Y esta película lleva la frase de Stan Lee al máximo exponente. Excelsior! Valoración Final: 10/10
Y ahora es el turno de uno de los estrenos del año en cuánto a este género se refiere: la esperada por muchos Aquaman. Además ya lo hemos dicho al principio de la crítica, no sé para que me repito.
Título original: Aquaman
Año: 2018
Duración:139 min.
País: Estados Unidos
Dirección: James Wan
Guión: David Johnson, Will Beall (Historia: Geoff Johns, James Wan, Will Beall . Personaje: Paul Norris, Mort Weisinger)
Música: Rupert Gregson-Williams
Fotografía: Don Burgess
Reparto: Jason Momoa, Amber Heard, Patrick Wilson, Willem Dafoe, Nicole Kidman, Yahya Abdul-Mateen II, Temuera Morrison, Dolph Lundgren, Michael Beach, Ludi Lin, Graham McTavish, Patrick Cox, Randall Park, Djimon Hounsou, Leigh Whannell, Sophia Forrest, Natalia Safran, Tahlia Jade Holt
Productora: DC Comics / DC Entertainment / Warner Bros.
Sinopsis: Cuando Arthur Curry (Jason Momoa) descubre que es mitad humano y mitad atlante, emprenderá el viaje de su vida en esta aventura que no sólo le obligará a enfrentarse a quién es en realidad, sino también a descubrir si es digno de cumplir con su destino: ser rey, y convertirse en Aquaman.
Para introducir mi opinión sobre esta película, debo comenzar diciendo que mi relación con el DCEU (DC Extended Universe) es algo así como de amor-odio. El Hombre de Acero me gustó en su día, pero tampoco me dejó un gran poso ni la he vuelto a ver a día de hoy. Tras esta, Batman v Superman también me gustó, pero venía lastrada por muchos fallos, de los cuales algunos se veían mejorados en la notable versión extendida (la cual os recomiendo que veáis). Ese mismo año, llegó ´Escuadrón Suicida´, y con todo el hype metido en el cuerpo por consecuencia de sus trailers fui a verla, y quedé bastante decepcionado: una película cuyo tono era caótico (al igual que su montaje), y que no sabía muy bien que quería ser. Y, finalmente, el año pasado, nos llegó Wonder Woman, la mejor de este universo hasta el día de hoy; y meses más tarde llegó la que supuestamente debería haber sido la épica reunión de La Liga de la Justicia, pero su resultado final me dejó más frío que los Alpes. Y ya entrados en finales de este 2018, llega esta ´Aquaman´, a la cual ya le dedicamos unas palabras meses antes de su estreno en nuestra entrada de opinión del DCEU (que puedes ver clickando aquí), donde mostrábamos nuestra plena confianza en James Wan para que nos trajese una película con personalidad propia después de tantas polémicas que ha tenido el universo con sus estudios.
Siendo sincero, tenía poco hype por esta película, sus trailers me llamaron la atención por su apartado visual y sus escenas de acción pero nada más, no me incitaban del todo para su visionado en cine. Las críticas por parte de los profesionales, bastante mixtas, no hicieron sino acentuar esas sensaciones. Pero la gente salía extasiada del cine, contentísima con lo que había visto, algunos se aventuraban a decir que llegaba a las mismas proporciones de epicidad que la apoteósica ´Infinity War´ y que era el manantial de agua (nunca mejor dicho) que necesitaba este seco universo. Todas estas alababanzas hicieron que me animara a ir al cine y ver esta Aquaman que nos ocupa, esperando aunque fuese una buena ración de entretenimiento y efectos visuales.
Antes de empezar con mi opinión del film, no os puedo decir si es mejor o peor que la tercera entrega de los Vengadores. Creo que es bastante injusto comparar el fin de 10 años de universo y la conclusión del arco argumental de diversos personajes con la presentación de un superhéroe novedoso en la gran pantalla y el comienzo de su arco. Eso sí, lo que nadie puede negar, te guste Marvel o DC, es que esta película, en el género comiquero es un peliculón, una grandísima adaptación que supone toda una explosión de colores, aventura y diversión en el oscuro universo dceíta. Es una maldita locura, es que no puede expresarse en palabras la experiencia que supone esta ´Aquaman´. Wan no se ha guardado nada, para ser una película de origen, diría que llega a los niveles de ambición de ´Infinity War´ con todo lo que abarca, teniendo muchas más pretensiones que únicamente establecer su personaje y su mundo. El universo que nos presentan es muy rico en criaturas, mitología, reinos y demás elementos, siendo presentados de manera muy natural y orgánica, sin que se note forzado, metido con calzador y mucho menos apresurado. Resulta pasmoso lo bien introducido y compactado que está su extenso mundo en un filme de dos horas. El director ha ido a por todas como si pensase que no le iban a dar proyectos después de este, ha metido un montón de cosas en una suerte de coctelera cinematográfica de absolutamente todo lo que le apetece y más (elementos de ´Star Wars´, el tono aventurero de ´Indiana Jones´, mitología y épica con aires de ´El Señor de los Anillos´ entre otras cosas) y ha hecho una completa locura de película. Pero ni de lejos es una copia o un refrito de las películas anteriormente mencionadas, es que no os podéis imaginar lo que vais a ver. Por momentos es una película de aventuras, por otros cine de acción, pero también tiene elementos del cine de terror (esa fantástica escena en La Fosa), ciencia ficción, superhéroes, monstruos tipo Kaiju que harían sonreír a Guillermo del Toro y batallas monumentales al estilo El Señor de los Anillos. Es increíble todo lo que ves durante las casi 2 horas y media que dura la película.
Visualmente es un espectáculo que solo debe verse en cines, hay cada plano que es para enmarcarlo en tu habitación, y me parece una película muy cuidada en ese aspecto para ser un blockbuster de este género. Wan sabe lo que hace y como quiere plasmarlo visualmente, es un genio y el filme rebosa imaginería visual por los cuatro costados. La acción está rodada de una manera en que lo ves todo a la perfección, el director malayo es todo un artesano en este aspecto, haciendo giros imposibles y movimientos muy locos con la cámara que dan un dinamismo increíble a estas escenas. Escenas como la del Anillo de Fuego al más puro estilo de ´Gladiator´, el espectacular plano secuencia de Sicilia o su clímax final entero deben ser desde ya segmentos antológicos en el género.
Cómo he dicho antes, uno de los puntos fuertes es lo visual, pero no solo los efectos especiales, muy bien implementados en la película y sin que canten en ningún momento, sino también los escenarios reales o el diseño de vestuario son maravillosos. Es una película muy cuidada y se nota en estos aspectos. El traje que lleva Mera ya sea el que lleva en la escena de la batalla del Anillo de Fuego (con medusas luminosas en la espalda) o el clásico que lleva durante toda la película, el traje que lleva el villano encarnado por Patrick Wilson en el acto final (con un diseño de serie B muy de antaño), el diseño del traje de Black Manta o el traje clásico de Aquaman ya mostrado en el póster son varios de los ejemplos que demuestran la estética comiquera plasmada en pantalla y le podría valer perfectamente unas cuantas nominaciones a mejor vestuario. Si la decepcionante ´Escuadrón Suicida´ tiene un Óscar, ¿por qué esta no?
Y es que esto es justo lo quería de ella. Una película con libertad propia con un director que no tenga complejos a tomar decisiones arriesgadas. Y es que James Wan es un completo sinvergüenza, abrazando el ridículo de su propuesta y trayéndonos una película que posee un aroma muy ochentero y pulp a pesar de la gran cantidad de CGI y técnicas actuales que son empleadas para el filme. Un tono muy aventurero, como de una serie B con mucho presupuesto por delante (en el buen sentido de la expresión, claramente) y que huye deliberadamente del tono ´historia de orígenes´ tantas veces visto (a excepción de la efectiva escena del acuario, donde vemos el descubrimiento de sus poderes, y de los flashbacks donde vemos el entrenamiento de Arthur con el personaje de Willem Dafoe). Un humor muy tontorrón, frases lapidarias desvergonzadas, escenas con acción a raudales muy alocadas... pero nunca perdiendo el sentido de la épica, el cuál explota al final con ese clímax final increíble donde se tira la casa por la ventana (y que me recordó al tramo final de ´El Retorno del Rey´, palabras mayores) con un Aquaman desatado. El guión, a pesar de ser simple hasta la médula, va variando de tono muy fácilmente y sin desentonar nunca con la propuesta; y su ritmo es muy frenético, sin parar en ningún momento de sus 2 horas y media, para nada excesivas. La comedia, muy del estilo marvelita, a pesar de ser algo infantil, no molesta en ningún momento y no resulta anti-climático.
Las actuaciones son más que aceptables para una película del género, con un Jason Momoa que demuestra que no solo da el pego en el ámbito físico y tiene carisma de sobra para encarnar al personaje y llevar el peso de la película, y una Amber Heard cuyo personaje es el contrapunto perfecto para Arthur, la cual tiene mucha química con Momoa. Patrick Wilson está más que bien cumpliendo su función en el papel del Ocean-master (y dejando un conflicto fraternal para que su personaje sea explorado con profundidad en futuras entregas) y el resto de secundarios están más que correctos, a destacar Nicole Kidman en una faceta que rara vez he visto de ella con una escena de acción que madre mía y un Willem Dafoe efectivo en su rol de entrenador. Todos y cada uno de ellos tienen su respectivo momento de gloria.
La banda sonora es muy variada y acompaña bien a la propuesta, con temas épicos que acompañan bien la película y algún tema creado con sintetizador que da ritmo a las escenas de acción y aporta al aroma ochentero del filme. Eso sí, hay un cover de ´Africa´ de Toto con Pitbull de por medio y que tiene una escena que tela, se la podrían haber ahorrado. Parecía una escena sacada del anterior trabajo de Wan, ´Fast and Furious 7´. Pero eso es de lo poco malo de la película, alguna escena algo vergonzosa y un comienzo algo apresurado (ya que tiene que introducir mucho en un solo filme), pero nada que lastre al conjunto en su totalidad.
´Aquaman´ es el comienzo de algo mucho más grande, es esa chispa de vida que necesitaba el Universo Cinematográfico de DC, y que para sorpresa de muchos y de un servidor, la representación de este segundón en la gran pantalla es de las mejores adaptaciones que tiene la factoría dceita en el cine. Un espectáculo visual de primer calibre con un tono de aventuras ligero y tontorrón pero que no evita el tener grandes cucharadas de épica y drama, aparte de unas escenas de acción que quitan el aliento y un carismático protagonista. En conclusión, no os digo más, id al cine sin prejuicios previos, acomodadse en vuestra butaca y disfrutad de una de las películas más disfrutables y alocadas del año, y una completa sorpresa para el servidor aquí presente. Pese a sus fallos, pienso que estamos ante un peliculón, señores. Gracias, James Wan, gracias de corazón. Eres un canalla. Valoración Final: 9,5/10
Y hasta aquí la (larguísima) entrada de hoy, recuerda que esta es nuestra opinión, a lo mejor las has disfrutado más o menos que nosotros. Si no quieres comentar, al menos si te ha gustado podrías hacernos un favor y compartir esto con tus amigos o seguir el blog y convertirte en un plateado, para enterarte de lo próximo que subamos. Recuerda que con un click nos puedes hacer muy felices, y no olvidéis tener unas felices fiestas llenas de cine. Dicho todo esto, solo me queda decir ¡nos leemos pronto!
Guión: Anthony McCarten (Historia: Anthony McCarten, Peter Morgan)
Música: John Ottman (Canciones: Queen)
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Rami Malek, Joseph Mazzello, Ben Hardy, Gwilym Lee, Lucy Boynton, Aidan Gillen, Tom Hollander, Mike Myers, Allen Leech, Aaron McCusker, Jess Radomska, Max Bennett, Michelle Duncan, Ace Bhatti, Charlotte Sharland, Ian Jareth Williamson, Dickie Beau, Jesús Gallo, Jessie Vinning
Producción: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; GK Films / New Regency Pictures / Queen Films Ltd. / Tribeca Productions / Regency Enterprises. Distribuida por 20th Century Fox
Sinopsis: 'Bohemian Rhapsody' es una celebración del grupo Queen, de su música y de su extraordinario cantante Freddie Mercury, que desafió estereotipos e hizo añicos tradiciones para convertirse en uno de los showmans más queridos del mundo. La película plasma el meteórico ascenso de la banda al olimpo de la música a través de sus icónicas canciones y su revolucionario sonido, su crisis cuando el estilo de vida de Mercury estuvo fuera de control, y su triunfal reunión en la víspera del Live Aid, en la que Mercury, mientras sufría una enfermedad que amenazaba su vida, lidera a la banda en uno de los conciertos de rock más grandes de la historia. Refleja asimismo cómo se cimentó el legado de una banda que siempre se pareció más a una familia, y que continúa inspirando a propios y extraños, soñadores y amantes de la música hasta nuestros días. (Fuente: FILMAFFINITY)
Emoción. Pasión. Euforia. Melancolía. Tristeza. Todas estas sensaciones son las que sentía y sigo sintiendo a día de hoy al escuchar una de mis bandas musicales favoritas y una de las mejores de todos los tiempos, Queen. La voz de Freddie Mercury y la precisión con la que los demás componentes del grupo tocaban sus distintos instrumentos siempre hace transportarme a otro universo, evadirme de la realidad por unos minutos, disfrutar del maravilloso arte que es la música. Y todas estas emociones volvieron a recorrer mi cuerpo en la sala de cine donde proyectaron esta maravillosa ´Bohemian Rhapsody´ de Bryan Singer (director de la saga mutante X-Men), titulada como una de las más míticas canciones del grupo.
Cabe destacar que la cinta ha tenido a una gran división entre crítica y público, habiendo tenido un gran tirón en taquilla y haciendo que los fanáticos del grupo salgan extasiados de las salas de cine, mientras que la prensa más bien la ha dejado por los suelos o con críticas bastante reguleras a excepción de algunas bastante entusiastas. Aprovechando también sus recientes nominaciones a los Globos de Oro a mejor película dramática y mejor actuación (y más que merecidas), no hagáis ni caso a la prensa, porque yo también he caído rendido a los pies de esta rapsodia musical.
Partamos de la base de que si eres fan de Queen no puedes ser objetivo del todo con esta película, el mero hecho de escuchar semejantes canciones en una sala de cine y en una calidad de sonido inigualable ya amortiza el precio de la entrada. Porque el que asiste a ver ´Bohemian Rhapsody´ asiste a ver un gran espectáculo audiovisual, una experiencia sensorial en la que no faltan sus más grandes éxitos. Singer nos ha regalado una carta de amor al grupo, un homenaje que pese a las polémicas que han envuelto el rodaje, se nota que se ha puesto corazón, y eso se hace palpable en los 135 minutos que dura la película.
No es una película perfecta, eso está más que claro, es una película cuyo ritmo es muy apresurado, que nos muestra los comienzos de la banda en los primeros 15 minutos, que vemos más bien poco de las vidas personales de la banda (excepto de Mercury, que es la gran estrella del filme), se puede decir que solamente es un mix de sus mejores éxitos puesto en pantalla grande... Pero hacía tiempo, hacía meses que no veía una película hecha con tanto amor a lo que trata, con tanto amor hacia la música, hacia Queen, y sobre todo hacia el cine.
Empecemos con la dirección de Singer, o más bien del tándem compuesto por Bryan Singer y Dexter Fletcher, el cual se encargó de dar los últimos toques a la película tras la polémica de abuso sexual que recibió el director de la saga ´X-Men´ a unos meses de finalizar el rodaje del filme.
Introduciéndome un momento en este delicado tema, la mala fama que ha recibido el filme sinceramente me repatea. Me enerva que esta película haya sido vapuleada por la crítica especializada, supongo que por el hecho de que Singer haya sufrido demandas de abusar sexualmente a un menor, sin criticar objetivamente su trabajo realizado en el filme. El abuso sexual es un acto inhumano, horrible e indefendible, pero no debemos mezclar las cosas, cuándo una película es buena, se debe decir con total sinceridad y sobre todo con subjetividad crítica, no hay que masacrarla por el mero hecho de lo que haya hecho su director, menospreciando así el trabajo de estudios, equipos de realización y producción, actores y demás colaboradores que han puesto su esfuerzo y empeño en el filme y que no tienen ninguna culpa de lo que haya hecho su director años atrás. Y lo digo con la intención menos frívola posible.
Dejando de lado el tema y continuando con la película, la dirección es magnífica, abundando una fotografía muy detallista (destacar los planos desde las gafas de Freddie), con una definición sobresaliente, y unos planos muy bonitos, con colores muy chillones y extravagantes como la banda a la que hace homenaje. El montaje es asombroso, con transiciones entre escenas dignas de un videoclip, y ver como recrean el videoclip de I Want to Break Free o ver la grabación del temazo que es Bohemian Rhapsody (el tramo de la granja es maravilloso). Y el maquillaje y el vestuario son dignos de aplauso, recreando a la perfección todos los trajes que Mercury y compañía portaba en sus conciertos, y un maquillaje que hace que veamos a Queen reflejados en los actores. Mención aparte al tramo final en el mítico concierto del Live Aid, grabado con un brío y un sentido del ritmo y la emoción que deja la película en lo más alto, dejando a un servidor la piel de gallina y los pelos de punta. Magnífico broche de oro al filme.
Otro punto que tengo que decir es que no noto la película tan edulcorada y tan light como se dice por ahí, algo que he leído en muchas críticas negativas hacia el filme. Sinceramente no veo necesario ahondar más en la sexualidad de Freddie (que se trata de una manera muy sutil y natural, como debe ser), en sus excesos y vicios, su lucha contra el SIDA, entre otras etapas de su vida.
Porque esta película no busca el morbo fácil, no busca mostrarnos la cara B de Queen de forma explícita, no, es un homenaje más que un biopic. Cómo biopic tiene sus problemas, que si es tópica y convencional a más no poder, que si varios tramos de la banda han sido pasados por el ´filtro cinematográfico´ tan visto en filmes biográficos, cosas muy edulcoradas en pantalla... Sí, todo eso es cierto. Pero para mí no ensombrece la sensación de escuchar sus temas retumbar por toda una sala de cine, de vivir una experiencia cercana a lo que Queen una vez fue, de las maravillosas interpretaciones de todo el reparto... Realmente ves en el sublime Rami Malek a Mercury en todo momento, su actuación va in crescendo hasta que al final se funde en uno con su personaje y entrega su alma en ese final en el Live Aid que, como he dicho anteriormente, hace vibrar nuestros cuerpos y elevar nuestras almas al cielo. Los movimientos, las formas, todo, Malek es puro Mercury. Y, obviamente, es más que merecedor de los galardones a los que sea nominado en la futura temporada de premios, por que la labor era titánica y a priori complicada, la de imitar a uno de los personajes más grandes de la historia sin caer en la sobreactuación o en la parodia, y él lo logra con una facilidad pasmosa.
Pero que Malek y su maravillosa actuación no ensombrezca al resto de Queen, Joseph Mazzellocomo John Deacon, Ben Hardy como Roger Taylor y Gwilym Leecomo Brian May están sobresalientes en sus respectivos papeles, y sus parecidos físicos son más que notables. También cabe destacar a la novia de Freddie Mercury en la ficción, interpretada de forma más que efectiva por Lucy Boynton.
No hace falta ahondar en la banda sonora, el repertorio musical es magnífico, como no podía ser de otra forma, las piezas musicales acompañan en los momentos exactos perfectamente, sin resultar nunca metidos con calzador. Va a ser inevitable que no os mováis en vuestro asiento.
Cabe destacar como están introducidos el drama y la comedia en cada escena, de una manera tan natural, a favor de un ritmo que no decae y que hace que las dos horas y diez que dura se nos pasen volando. Una película que hace que nuestras emociones estén a flor de piel. Va a ser imposible que no derraméis una lagrima, o tembléis al escuchar sus canciones... Es una experiencia visual y musical a la que se va a sentir, a oír, a vivir la música. Es más que una película, es una experiencia que debe verse en un cine, dado que en casa probablemente pierda gran parte de su fuerza, la fuerza en la que reside el éxito del filme.
´Bohemian Rapshody´ es un éxito rotundo, un filme que se ha ganado al gran público debido a que a todo el mundo nos gusta o conocemos a Queen en el fondo, esa banda de incomprendidos cuyo diferente e innovador sonido nos ganó y, para mí, un chaval el cual no llegó a ver a Mercury tocar en vivo, esto es lo más cerca que voy a estar de sentir la fuerza, el poderío de Queen en mis carnes. Una experiencia inolvidable, la cual si os gusta tanto la banda, como la música, o meramente por ver nuevas propuestas por propio amor al cine como arte, debéis de ver, porque está hecha con tanto amor hacia lo que trata que no podéis hacer más que arrodillaros y sucumbir al atractivo visual y, cómo no, musical, que supone esta excelente Bohemian Rhapsody. No os la perdáis los que todavía no la habéis visto, que todavía sigue en cartelera, y creo que se quedará con nosotros estas navidades. PD: Escuchar la intro de 20th Century Fox hecha con guitarra eléctrica es impagable. Veredicto Final: 9/10
Y esto ha sido todo, espero que hayáis disfrutado la lectura, apoyéis la crítica si os ha gustado (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) y si la habéis visto, me contéis vuestra opinión sobre la cinta sin ningún tipo de vergüenza en los comentarios, y si no la habéis visto, ya sabéis, ¡dadle su respectiva oportunidad que para eso está el cine! Después de toda esta parrafada, solo me queda desearos unas geniales Fiestas de Navidad y despedirme ¡Nos leemos pronto!
Reparto: Toni Collette, Gabriel Byrne, Alex Wolff, Milly Shapiro, Ann Dowd
Productora: PalmStar Entertainment / Windy Hill Pictures. (Distribuida por A24)
Género: Terror. Sobrenatural. Cine independiente USA
Sinopsis: Cosas extrañas comienzan a suceder en casa de los Graham tras la muerte de la abuela y matriarca, que deja en herencia su casa a su hija Annie. Annie Graham, una galerista casada y con dos hijos, no tuvo una infancia demasiado feliz junto a su madre, y cree que la muerte de ésta puede hacer que pase página. Pero todo se complica cuando su hija menor comienza a ver figuras fantasmales, que también empiezan a aparecer ante su hermano.
Hacer películas de terror en el siglo XXI no es sencillo. Casi todo está ya contado y caer en clichés es lo más común, y aunque la gran mayoría del público es cínico y se da cuenta lo fácil que es subir el volumen y entregar un susto efímero y olvidable, justamente lo que reclaman las masas son estímulos constantes y por eso son muchísimas películas las que caen en esto y el género tiene tanta mala fama. Para bien o para mal, lo que no se puede dudar es que estamos ante uno de los muchos soplos de aire fresco que estamos viendo estos últimos años en este trillado género, como pueden ser la tensa ``A Quiet Place´´ o la curiosa ``It Follows´´, y todavía faltan por estrenarse el remake de Suspiria de Luca Guadagnino y la violentísima Ghostland de Pascal Laugier (Martyrs) aquí en España. Pero difícil va a ser que una película de horror este año cumpla las expectativas de la forma que lo ha hecho la cinta del debutante Ari Aster (incluso superándolas), habiéndose leído incluso que estábamos ante ´´El Exorcista´´ de nuestra generación.
A24 vuelve al género de horror tras el pinchazo severo que supuso para mí ´´Llega de Noche´´, devolviendo a la distribuidora a los altares dignos de cintas anteriores como ´´Ex Machina´´en términos de vender un producto de forma potente y que da lo que promete con creces ante todo presunto pronóstico. No esperes un festival de sustos a lo ´´The Conjuring´´, aunque bien nos recuerda a ella en cuanto a términos visuales y atmosféricos. Pero tampoco es un viaje a ninguna parte como ´It comes at Night´. ´Hereditary´ nos remite a un terror personal, orquestado por los dramas de sus personajes: un terror psicológico puro y duro, que no necesita golpes de efecto baratos para causar impresión.
Muchos han dicho que si es un vende humos, que si está sobrevalorada, que si es aburrida, que si Toni Collette no hace más que exagerar, que si el final traiciona todo lo anterior y se desvía de la trama, que si no tiene final después de todo... Bueno, al fin y al cabo una de las cosas buenas del cine es que la percepción del espectador hace que veamos películas distintas, al más puro estilo de quien escucha Yanny o Laurel. Esta película nos demuestra que aún con las bases del género de terror ya asentadas y de sobras, aún se pueden entregar cintas sorprendentes, de estas que se quedan contigo tiempo después de haberla visto y que en tiempo será de referencia por seguro. Una que mezcla el terror atmosférico de `It Follows´ y a vez propone ideas e imágenes que asaltan tu cabeza de forma brutal dando lugar al terror más perturbador y sangriento visto últimamente en pantallas.
La cinta se puede dividir en dos partes: la primera, más cercana al drama familiar, va cociendo el terror poco a poco, construyendo un clima tenso e incómodo desde la excelente puesta en escena de Ari Aster (que para ser un debutante tiene la precisión de un experto) y las actuaciones. Conocemos a la familia: Annie (una espléndida Toni Collette cuya actuación merece una nominación al Oscar, lástima que ya sabemos como es la Academia con el cine de terror), su esposo (el que peor sale parado del círculo actoral pero aun así Gabriel Bryne resulta efectivo), su hijo Peter (un excelente Alex Wolff) y la hija pequeña (una silenciosa y enigmática Milly Shapiro, que se pone en el podio de chicas creepy del cine). Nos metemos en su miseria, en el dolor de su pérdida, en toda la tristeza y tensión que se respira en esa casa en un ambiente cuasi claustrofóbico, donde salimos poco o nada de ese nido de los horrores. Uno de los grandes triunfos de Hereditary es que te acerca a sus personajes. Nos compadecemos de ellos y realmente deseas que no les pase nada malo, aunque sepas que eso es algo inevitable. Y cuando piensas que nada les puede ir peor que en esa impactante primera parte, llega un giro que rompe toda la calma con la que se cocinaba todo para dar comienzo al segundo tramo del filme. Y ahí es donde la locura se desata. Si bien el guión escondía sorpresas sangrientas desde la media hora de filme, aquí la tensión explota para dar lugar a un climax brutal. Como si de un paseo de los horrores se tratase, la familia va aconteciendo horror tras horror a cada cual más monstruoso hasta que el final llega y todo cobra sentido. Quedan cosas sueltas, eso sí, porque la película te invita verla nuevamente para descubrir todos los detalles que un primer visionado pasan obviamente desapercibidos. Está pensada hasta en el más mínimo detalle, como si de la maqueta en la que el personaje de Annie está trabajando se tratase, con una edición y fotografía cuidados a detalles y un guión escrito con mucha soltura.
´Hereditary´ se resiste a avanzar el relato a golpe de susto o siguiendo el caudal de la sangre derramada (que también), estando meticulosamente preparada desde su inicio para no ser una película de terror al uso. El toque de “drama familiar” que le adjudica el director no es una excusa, sino una demostración de hasta qué punto nuestros peores horrores pueden ser oscuros, deprimentes y cotidianos. La cinta de Aster es una perturbadora sorpresa, una auténtica maravilla y sigue confirmando la década que vivimos como una de las más creativas y estimulantes de la historia del cine de terror. Y, por todos estos motivos y más, solamente puedo rendir adoración al señor Aster con una reverencia de discípulos decapitados. Una de las mejores cintas del año. Veredicto Final: 9,5/10
¡Y hasta aquí la entrada de hoy! Espero que os haya gustado, la apoyéis (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) como siempre y si la habéis visto, me contéis vuestra opinión sobre Hereditarysin ningún tipo de vergüenza en los comentarios, y si no la habéis visto, ya sabéis... Después de toda esta parrafada, solo me queda despedirme ¡Nos vemos!
Guión: Marti Noxon, Scott Brown, Ariella Blejer, Dawn Kamoche, Vince Calandra, Alex Metcalf (Novela: Gillian Flynn)
Fotografía: Yves Bélanger, Ronald Plante
Reparto: Amy Adams, Patricia Clarkson, Chris Messina, Eliza Scanlen, Taylor John Smith, Will Chase, Jackson Hurst, Catherine Carlen, Madison Davenport, Elizabeth Perkins, Dylan Schombing, Wes Robertson, Robert Artz, Gunnar Koehler, Jennifer Lamar, Elsa Morales Myers, Sophia Lillis
Productora: Emitida por Home Box Office (HBO); Blumhouse Productions / eOne Television / Home Box Office (HBO)
Género: Serie de TV. Thriller. Drama | Miniserie de TV. Thriller psicológico. Asesinos en serie
Sinopsis: Después de pasar un breve tiempo en un hospital psiquiátrico, la periodista Camille Preaker debe regresar a su pequeña ciudad natal para cubrir los asesinatos de dos chicas adolescentes. Durante años, Camille apenas ha hablado con Adora Crellin, su neurótica e hipocondríaca madre, que vive con su marido y con su hija Amma, hermanastra de Camille, una joven a la que apenas conoce. Instalada en su antiguo dormitorio en la mansión victoriana de su familia, Camille pronto se identifica con las jóvenes víctimas. Atrapada por sus propios demonios, debe desentrañar el rompecabezas psicológico de su propio pasado si quiere obtener una historia que escribir acerca de los crímenes.
HBO España ya tiene completa la serie Heridas abiertas (Sharp Objects), probablemente la producción más destacada del verano por diversos motivos. El primero es su fabulosa protagonista, la magnética Amy Adams, acompañada de otras brillantes actrices que conforman el núcleo del reparto. A esto hay que sumarle el material de base para el guión: la novela homónima de Gillian Flynn (la autora de "Perdida") y añadirle que los ocho episodios han sido creados por Marti Noxon, responsable de series de gran calibre como Mad Men y dirigidos por Jean-Marc Vallée, el cineasta que puso en pie la premiada Dallas Buyers Club y que también se hizo cargo de Big Little Lies, considerada como una de las mejores series originales de HBO (y la cual después de esta voy a ver seguro). Y ahora que por fin he visto la tan aclamada ``serie del verano´´ de la que todo el mundo habla, esta ``Heridas Abiertas´´ que hoy nos ocupa, es hora de reseñarla.
Veréis, aunque la historia de Sharp Objects haya sido contada mil veces, lo que aquí nos traen Jean Marc Vallée y compañía es una joya de la televisión actual. Una perfecta coordinación de actuaciones, montaje y música, puestas en perfecta sintonía para formar lo que es desde ya lo mejor del verano y para un servidor, la mejor serie del año.
Empecemos por la pieza más esencial de la serie: el montaje. Es increíble, una mezcla de pasado, presente y delirios de la trastornada protagonista que te atrapa, no hace más que contribuir a la atmósfera que la serie construye poco a poco, a fuego lento pero en un fuego que abrasa. Al principio os va a desconcertar bastante el desorden de escenas y los saltos temporales sin previo aviso, pero, cómo bien dicen en la serie, te acabas acostumbrando a entrar en este puzzle.
Al igual que nuestra protagonista (la magistral Amy Adams, de la cual hablaré más adelante), nos sentimos perdidos, inseguros; un montaje que a medida que transcurren los 8 episodios, va destapando secretos del pasado, de una familia, de un pueblo lleno de enigmas... Porque esta no es la historia de asesinatos que esperábamos (que también), sino de una familia rota y un pueblo que lo está más aún, que lleva el dolor a cuestas como una gran piedra en su espalda. Una serie oscura, lúgubre, con personajes destrozados, fríos, distantes... pero que sentimos tan cercanos y sinceros a su vez que caímos rendidos a sus pies.
Una atmósfera que se construye lentamente, con un ritmo pausado pero adictivo, sugerente... con una estética oscura, gris, triste...
A la construcción de esta atmósfera ayuda la gran dirección de Vallée, con esos encuadres perfectos, llenos de lirismo, de magia, de desazón, tristeza, dolor... Maravillosa dirección.
He de advertir que la serie que no es para todos, es una serie bastante más compleja de lo que a priori parece, en la cual nos van dando pistas, detalles (ya sea en diálogos, localizaciones, objetos... a modo de easter eggs) muy rápidos, por lo que es una serie que exige toda tu atención, no es la típica para poner de fondo mientras haces otras cosas.
Las actuaciones son magistrales, ejecutando a la perfección sus personajes (maravillosamente escritos y construidos sobre el papel); expresando gran parte de sus emociones en miradas y silencios que te atrapan y sugieren. El gran trío de esta serie es el compuesto por Amy Adams, Patricia Clarkson y Eliza Scalen encarnando a personajes nada fáciles. Las tres están sensacionales, increíblemente geniales a partes iguales, y cargan con casi todo el peso emocional y argumental de la serie con una facilidad pasmosa. Estoy seguro que les van a llover las nominaciones y premios tanto a ellas como a la serie en sí, porque es que lo merecen todo. El resto de secundarios también están a un nivel bastante notable, a destacar Chris Messina como el policía recién llegado de Kansas o a Taylor John Smith encarnando al hermano de una de las muchachas fallecidas, Natalie. Si queréis ver todos los matices de sus actuaciones, os recomiendo que la veáis en VOSE (todo gana más en versión original), pero vi también un par de capítulos doblados y el doblaje es bastante bueno, así que cómo vosotros veáis. Su BSO es sensacional. Cada canción está colocada en el momento exacto, cómo una pieza más de un puzzle. Una gran cantidad de canciones aparecen a lo largo de los ocho capítulos, capturando y reflejando el estado de ánimo de Camille y de los que le rodean. Una banda sonora por la que pasan desde piezas de música clásica hasta Led Zeppelin, entre otros.
Su ritmo, como bien he dicho antes, es absorbente, lento, sobrio, porque esta es una serie adulta, sobre el dolor y la familia. Una serie visceral sobre las emociones humanas, la psique, un drama psicológico, un thriller, hasta terror se podría decir por momentos... Llámalo como quieras. Esta es una serie humana. A lo largo de los 8 episodios te implicas, te introduces en Wind Cap, en los paseos en patín de la joven Amma, los recuerdos aleatorios de la infancia de Camille, el terrorífico bosque, los asesinatos, el bar... ¿Cómo una serie tan corta puede absorberte tanto?
Y por último, su final. Inesperado, shockeante, perturbador... Se te graba en la retina a fuego. Faltan adjetivos para describirlo. Y no os vayáis en los créditos de su electrizante episodio final: hay una sorpresa muy importante que termina de cerrar el conjunto.
Sharp Objects (Objetos Afilados en su traducción correcta): afilada es la mejor palabra para esta serie; te abre, te hace daño, se mete en tu piel, y se te queda grabada, cómo cicatrices, cicatrices para recordar el dolor, el pasado... Vallée dirige el retrato psicológico de una persona destrozada por inquietantes recuerdos del pasado ahogados en ingentes cantidades de alcohol que captura la atención del espectador al instante gracias a su cautivadora intriga y la inquietud de la atmósfera, además de sus soberbias interpretaciones. Y no os cuento más, es una serie única, mágica, desconcertante y sobre todo triste a la que quiero que lleguéis con la menor información posible. Lo único que puedo hacer es llenarla de halagos y recomendarla. Es desde ya mi serie del año, y la cual os digo que veáis inmediatamente. Si entráis en su juego, os puedo casi garantizar que la veréis del tirón (yo quise controlarme, pero no pude resistirme).
Lo único malo que puedo decir de ella es: ¿Por qué no la he visto antes?
Veredicto Final: 10/10
¡Y hasta aquí la entrada de hoy! Espero que os haya gustado, la apoyéis (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) como siempre y si la habéis visto, me contéis vuestra opinión sobre esta Heridas Abiertas sin ningún tipo de vergüenza, y si no la habéis visto, ya sabéis... Después de toda esta parrafada, solo me queda despedirme ¡Nos vemos!
Bienvenidos a todos una vez más, en la entrada de hoy retomamos la sección de Críticas en Cápsulas, en la que dejamos claro lo que la película nos ha parecido, sin meternos en análisis exhaustos ni profundos: comentarla por encima, por así decirlo. Las cinco cintas que hoy nos ocupan son de géneros muy variados, y varias de ellas aún no han llegado a España. Dicho esto, comencemos:
Hot Summer Nights (Elijah Bynum, 2017)
Una ópera prima que cuya ambición hace que en algunos momentos el ritmo se vuelva algo caótico y disperso (sobretodo al principio, una sobrecarga de información contada de manera muy rápida), pero luego el montaje alocado aporta un dinamismo a la película que la dota de un estilo propio y que la diferencia del resto de producciones de corte independiente. Las actuaciones están correctas, destacando a Timothée Chalamet (sí, Elio en Call Me By Your Name), él cuál ha conquistado ya a medio Hollywood y levanta el peso de la película sin ningún problema con su carisma en la pantalla.
La trama no destaca demasiado por lo general, lo más interesante de esta propuesta es Chalamet y su curioso apartado visual, con un corte ochentero (y unas cuantas referencias a la época que se agradecen bastante); pero por lo general es una propuesta bastante disfrutable para pasar el rato con enredos criminales, romances y un poco de aire ochentero, que nunca vienen mal en estos tiempos de cine plagado de efectos, reboots y secuelas.
Martyrs (Pascal Laugier, 2008)
Supongo que los amantes del cine de terror/gore sabréis que película nos ocupa. Tras miles y miles de alabanzas, insultos y arcadas a partes iguales por parte del público, tildándola de obra maestra del terror extremo u oda a la violencia gratuita; me dispuse a verla. Tras estas críticas, las cuales aseguraban que no te dejaba indiferente, no puedo discrepar más. No sé si soy un insensible en cuánto a gore/terror... pero a mi Martyrs no me ha producido nada más que indiferencia, rechazo y más adelante aburrimiento ante lo que presenciaban mis ojos. No es una mala película, eso puedo decirlo con seguridad. Su primera mitad no me ha disgustado, con sus tópicos dentro del género y su gore, sin cortarse un pelo. Pero la segunda mitad es una sucesión monótona de palizas, vejación y violencia gratuitas. Minutos y minutos, repitiendo el mismo esquema. Se transmite lo que el director quería plasmar en pantalla, pero una forma menos repetitiva o más sutil hubieran beneficiado a este flojo producto. Pero claro, ¿qué esperaba yo de un producto del cual su boca a boca se ha producido debido a sus escenas de alto contenido gore? Y mientras va avanzando la película, sigo presenciando un sin fín de escenas gore (que no son tantas como el público dice), más o menos fuertes para según que tipo de público; pero, al igual que un mártir, no sientes nada: ni la supuesta pena que tendría que trasmitirme todo el sin fin de burradas que le hacen a la chica torturada, ni asco, terror... Solo mirar la pantalla, llamadme insensible, pero esta oda al gore malsano no me ha producido nada. Lo único que puedo decir, si eres fan acérrimo del gore y todavía no la has visto, échale un vistazo, porque esta película no destaca por otra cosa. El resto de personas, abstenedse de una película bastante absurda, la cual solo es un desfile de tortura, humillación, con un transfondo religioso al final que salva algo el conjunto, bastante desechable.
Pacific Rim: Insurrección (Steven S. DeKnight, 2018)
Recién sacada a vídeo, tras empezar a verla sin ningún tipo de pretensiones, dado que la primera parte tampoco es que me entusiasmase en su día, esta secuela de la película de Guillermo Del Toro, ambientada 10 años después de su predecesora, me ha gustado. A secas. Si la primera película era desde un enfoque ``realista´´ (dentro de lo que cabía) y sombrío; esta es más palomitera y estúpida, por así decirlo. Esto es bueno y malo, a partes iguales. Si te gustó mucho la primera parte, esta puede parecerte un completo despropósito que se carga completamente la original. En cambio, si la primera no marcó nada especial en ti, esta es más de lo mismo, pero mejor. Mejor, ¿en qué sentido? Más acción, y más ruidosa y estúpida. Eso es lo que yo busco cuándo veo este tipo de películas. La trama aquí es estúpida a más no poder, como la premisa de que dos personas conectadas mentalmente puedan manejar un robot, no hay por donde cogerla. La película es honesta consigo misma, admite su estupidez y la abraza, trayendo escenas de acción superiores a las de su predecesora, en cuánto a escala y dirección, grabadas de día y en las que todo se ve a la perfección. Las actuaciones están a la altura: sin destacar, solo cumplen con su papel, estereotipos a más no poder y tópicos al máximo. Contiene momentos e ideas de vergüenza ajena (Charlie Day y su plan, madre de Dios), pero de eso se trata: un producto rápido y estúpido con el mero objetivo de entretener y dar acción desenfadada y rabiosa. Pero no deja de ser un producto predecible y olvidable a más no poder, que da pie a más secuelas, que si son igual de estúpidas que esta, veré encantado... en casa.
Upgrade (Leigh Whannell, 2018)
Leigh Whannell, veterano en el cine de terror con las sagas Saw e Indisious, se mete en el cine de ciencia ficción y acción con esta ``Upgrade´´, una inteligente mezcla entre Robocop y El Justiciero ambientada en un llamativo futuro cyberpunk. Aunque este thriller futurista juega con una trama de venganza vista miles de veces en el cine y no trae nada nuevo, cuando la ciencia ficción toma el control de la trama la cinta se convierte en una experiencia retorcida, violenta, divertida y con un inesperado, pero bien ejecutado, humor negro. Logan Marshall-Green (o el gemelo perdido de Tom Hardy) cumple bien la función de protagonista y la cinematografía resulta realmente buena, con unos movimientos de cámara bastante curiosos en las más que notables escenas de acción. En resumen, ``Upgrade´´ se comporta como un episodio de Black Mirror de 1 hora y 40 minutos con muchos litros de sangre de por medio y hasta dando pie a diversas reflexiones sobre el excesivo uso de la tecnología, cogiendo una trama a priori simple y retorciéndola hasta desembocar en un sorprendente final. Muy entretenida cinta de serie B perfecta para apagar el cerebro sin que te sientas estúpido. Isla de Perros (Wes Anderson, 2018) Habiendo visto solamente dos o tres de las anteriores cintas del director, puedo diferenciar su sello con el de otros autores, porque es indistinguible y sea una cinta suya peor que otra, su huella siempre hace que merezca la pena. Varios años después de la fantástica ``Grand Budapest Hotel´´el autor regresa al mundo de la animación stop-motion, tras “Fantástico Sr. Fox” con esta fábula animal con mucha crítica social detrás. Y al igual que hizo el último trabajo animado del director, Isle of Dogs nos hace conectar con el stop-motion. La estética visual es impecable, la música compuesta por Alexandre Desplat (viejo conocido en su filmografía) acompaña perfectamente las escenas y nos sumerge en la atmósfera de la película y la composición de los planos está perfectamente pensada y equilibrada (algo habitual en el director). A pesar de que la sencilla trama a veces se ve lastrada por flashbacks innecesarios y algo largos, el guión es excelente, con unos personajes muy bien dibujados e ingeniosos (y magistralmente interpretados por su coral reparto), otro punto fuerte de Anderson. Sin embargo, algunos personajes pasan sin pena ni gloria por la pantalla y algunos muy interesantes en los que apenas se profundizan en matices. Pese a esto, cabe destacar sus espléndidos diálogos, donde los puntos de humor funcionan a la perfección con una ironía muy ácida que se mantiene durante toda la película sin llegar a cansar en ningún momento. Sin duda alguna, esta es otra de las razones por las que debo ponerme a saldar mis deudas con las demás cintas de este fascinante director. La recomiendo firmemente, pero los temas que aborda y el ritmo que lleva la trama hacen que resulte una cinta no recomendable para los niños.
'Y hasta aquí la entrada de hoy! ¿Os ha gustado? Ponedlo en la caja de comentarios si queréis entradas más cortas y dinámicas como esta, o una más profunda dedicada a una sola película/serie. Vosotros decidís nuestro contenido, al fin y al cabo. También apoyad nuestro contenido compartiéndolo en redes sociales y más bestias. Con todo esto, un saludo, ¡y nos leemos pronto!
