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lunes, 2 de abril de 2018

CRITICANDO QUE ES GERUNDIO: READY PLAYER ONE



  • Título original: Ready Player One
  • Año: 2018
  • Duración: 140 minutos
  • País: Estados Unidos
  • Dirección: Steven Spielberg
  • Guión: Ernest Cline, Zak Penn
  • Música: Alan Silvestri
  • Fotografía: Janusz Kaminski
  • Reparto: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg, T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson, Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson
  • ProductoraWarner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment
  • Género: Ciencia Ficción. Acción. Aventuras. Distopía. Internet/ Informática
  • SinopsisAño 2045. Wade Watts es un adolescente al que le gusta evadirse del cada vez más sombrío mundo real a través de una popular utopía virtual a escala global llamada "Oasis". Un día, su excéntrico y multimillonario creador muere, pero antes ofrece su fortuna y el destino de su empresa al ganador de una elaborada búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos de su creación. Será el punto de partida para que Wade se enfrente a jugadores, poderosos enemigos corporativos y otros competidores despiadados, dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de "Oasis" como del mundo real, para hacerse con el premio.




El pasado 29 de marzo llegó a nuestras pantallas la nueva cinta del archiconocido director Steven Spielberg, director de clásicos como ``Tiburón (Jaws)´´, la saga ``Indiana Jones´´ o ``E.T., el extraterrestre´´, titulada ``Ready Player One´´ basada en la novela de Ernest Cline del mismo nombre, principalmente conocida por sus numerosas referencias a la cultura pop. Después de tres años en el aire, ya está en nuestros cines, así que después de su visionado, me toca unirme a sus numerosas alabanzas, ya que estamos frente a un gran entretenimiento que no se olvida de ser una muy buena película y un espectáculo de primera. Desde que vemos la mítica marca de Amblin en sus créditos iniciales estamos expectantes por introducirnos en el rico mundo que Spielberg y companía nos proponen. 


LO BUENO:

Para empezar, en cuánto a lo visual no había visto nada igual desde hace mucho tiempo, un derroche de imaginación, mundos, ciudades... Todos ellos están muy cuidados y nos traen secuencias para el recuerdo, cómo la primera carrera, una pedazo de secuencia de acción que incorpora al Delorean (Regreso al Futuro), King Kong entre otros..., y además, el CGI, algo muy odiado en los directores tradicionales (aunque este no es el caso de Spielberg) está muy bien incorporado sin abusar de este, combinándolo muy bien con el cine tradicional al que el director nos tenía acostumbrados antiguamente, y se nota muy cuidado sin llegar a cansar a la vista o marear. ILM (Industrial Light and Magic) vuelve a dejarnos con la boca abierta con sus efectos visuales con un universo que es todo un tour de force imaginativo. El manejo de la cámara en Oasis es una pasada, un manejo rápido y frenético pero en el que vemos toda la secuencia sin problema y de manera espectacular, motivo más que suficiente para un visionado obligatorio en cines (nada de pirateo). También hay que tener en cuenta que el hombre tras esta película es un señor de 71 años, y nos trae una propuesta moderna y juvenil que ya quisieran otros menores que él, con un acabado visual impecable sin que este destruya su narrativa cayendo en el tedio por el abuso de CGI, algo digno de alabar ya que ``Ready Player One´´ está hecha diría que en más de su 70% por efectos especiales. 



No sólo se basa en lo guay de las referencias, que también, sino que tiene una historia (simple, ya lo sé) en la que estas referencias tienen una razón de ser, aparte de ser endiabladamente entretenida y nos lleva por diversos mundos (a cada cuál más vistoso y espectacular, y los cinéfilos amantes del terror, atentos a la segunda llave), y unos personajes efectivos que aunque no lleguen a ser planos, pecan de ser muy sencillos. Pero esto fortalece a su dinámica narrativa debido a que no hay parones llamativos en la trama, y a pesar de sus inconvenientes, resultan entrañables y con los que nos identificamos fácilmente, y que me gustaría volver a ver en otra película (aunque cuidado con las secuelas...): gracias al buen hacer de su reparto protagonista (en el que destacan los jóvenes Tye Sheridan y Olivia Cooke y los siempre efectivos Ben Mendelsohn y Mark Rylance, que nunca fallan) y la emoción que imprimen Spielberg y los guionistas Ernest Cline y Zak Penn a las escenas, haciendo que nos cautivemos con lo que sucede en pantalla por mucho que sus personajes tengan limitaciones.
 El mundo real y el Oasis están muy bien combinados, por que no salen más de lo necesario, dando el justo protagonismo a las dos tramas. Ninguna de ellas queda eclipsada por la otra y ambas mantienen el tipo en cuánto a interés se refiere.


Además, el sueño húmedo de cualquier aficionado al cine es ver a seres emblemáticos  como Chucky Mazinger Z  reunidos en una misma película, ¿verdad? Pues Steven Spielberg lo hace realidad de forma pasmosa, y avisados estáis, no vais a ver nada igual de creativo en una sala de cine, por lo menos este año. Y oye, que para los no tan antiguos hay también un porrón de referencias a videojuegos y películas de actualidad, pero la palma se la llevan las referencias retro, que nos dan muchos momentazos para el recuerdo. La campaña de marketing tampoco ha sido menos:






Tiene la magia y la clásica diversión del Spielberg de antaño, ese que nos trajo E.T. o los Goonies entre otras, nos cuenta una historia del futuro con los 80´s y 90´s como efectivo telón de fondo, teniendo un ritmo que nunca para y que no da lugar al aburrimiento, donde sus 2 horas y 20 de metraje pasan voladas. Pero lo realmente esencial es que tiene ese sentimiento de la aventura para que el espectador se deje sumergir con gusto en esta desenfrenada montaña rusa que es ``Ready Player One´´ y que no simplemente sea una pasarela de referencias para el espectador. Es un blockbuster hecho con cariño a la cultura pop, un canto al frikismo que tiene corazón y, lo más importante y aunque obvio, un mensaje muy relevante en estos tiempos en los que la tecnología está en todas partes y los videojuegos están al nivel visual y narrativo de una película.



Hacía tiempo que no me lo pasaba tan bien en una sala de cine, que me olvidaba de juzgar la película y simplemente me dejaba llevar asombrado por lo que Spielberg y compañía nos querían contar. En estos tiempos en los que creemos que todo está inventado, él nos presenta una propuesta fresca e innovadora, a partir de algo tan simple como la nostalgia. Desde Avatar que no me quedaba tan pasmado viendo la pantalla ante el espectáculo visual de una película. 

El soundtrack queda que ni pintado para la película, y acompañando a ciertas secuencias hasta el nivel de ponerte los pelos de punta, y aunque echemos de menos a John Williams, músico consolidado en la filmografía del rey Midas, Alan Silvestri nos trae unas muy correctas partituras, algunas que no tienen nada que envidiar a las del compositor de la saga Star Wars. Además, los temas ochenteros y noventeros hacen la película incluso más llevadera aún y no vas a parar de mover el pie si eres de aquella maravillosa época, llenando tu cuerpo enteramente de adrenalina.



LO NEUTRO:

Qué está enfocada a un público que, por narices, tiene que entender de la cultura pop de los videojuegos y del cine, y aunque los que no sean conocedores de la cultura pop van a disfrutarla igual, no lo van a hacer tanto cómo alguien conocedor de esta.

Lo comentado anteriormente sobre la escasa profundidad de los personajes.



En resumen, ``Ready Player One´´ es un peliculón, la película ``easter egg´´ definitiva y con el Spielberg más divertido, espectacular y entrañable de los últimos años. Sí, puede que me pueda la nostalgia de ver ciertas referencias, o el hecho de ver una película cómo las de antaño... pero eso es lo bueno: es cine hecho desde el corazón, no únicamente por el dinero de las masas, en él que Spielberg ha puesto su corazón y alma porque esta película es un homenaje a su propio cine, al que le ha hecho grande, además de a los elementos de los que él mismo se declara amante. Porque el director demuestra que es un friki de primera categoría, en una película que es puro disfrute geek que no suelta el acelerador hasta el final y que nos devuelve al Steven Spielberg de antes, ese que todavía permanece dispuesto a no levantarse de su trono que lo consagra como uno de los mejores directores de la historia. Alejarse del mundo real durante poco más de dos horas, evadid vuestros problemas y disfrutad como si fueseis niños de 12 años. Es más, ¿A quién no puede gustarle ver un Delorean correr de nuevo? Ay, Spielberg, no por nada te llaman rey Midas...



PD: ¡EL PUTO CHUCKY!

Nota final: 9,5 sobre 10



Si ya la habéis visto, decirnos en los comentarios que os ha parecido ¡que no mordemos y nos encanta leer las opiniones de nuestros lectores! Si os ha gustado esta crítica, hacernos el favor de apoyarla compartiéndola con vuestros amigos en redes sociales y demás bestias, y siguiendo el blog, donde subiremos contenido muy similar a este. Con todo esto, ¡un saludo y hasta pronto!

martes, 27 de marzo de 2018

HOME VIDEO CRITICS: EL SACRIFICIO DE UN CIERVO SAGRADO



  • Título original: The Killing of a Sacred Deer
  • Año: 2017
  • Duración: 121 minutos
  • Dirección: Yorgos Lanthimos
  • Guión: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou
  • Fotografía: Thimios Bakatatakis
  • Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp
  • Productora: Coproducción Reino Unido-Irlanda-Estados Unidos; Element Pictures / Film4 / New Sparta Films. Distribuida por A24
  • Género: Thriller. Drama. Thriller psicológico. Sobrenatural
  • Sinopsis: Steven es un eminente cirujano casado con Anna, una respetada oftalmóloga. Viven felices junto a sus dos hijos, Kim y Bob. Cuando Steven entabla amistad con Martin, un chico de dieciséis años huérfano de padre, a quien decide proteger, los acontecimientos dan un giro siniestro. Steven tendrá que escoger entre cometer un impactante sacrificio o arriesgarse a perderlo todo.


Rescatamos del baúl de las secciones abandonadas a Home Video Critics, donde reseñamos películas recientemente sacadas en formato DVD, Blu-Ray o en VOD.

Alejado de lo que critico normalmente en el blog, hoy es el turno de la inclasificable nueva cinta del director griego Yorgos Lanthimos, alguien que será desconocido para los que no sean seguidores del cine de autor (aunque hay gratas sorpresas, normalmente soy detractor de este tipo de cine, pero también depende de mis gustos y de mi perspectiva de la palabra ``gafapasta´´): El Sacrificio De Un Ciervo Sagrado, una película no apta para todo tipo de público y muy difícil de digerir. Yo, pese a haber pasado muchísimas experiencias cinematográficas, muy diferentes entre sí unas de otras, sigo sin saber explicar razonablemente que demonios he visto en pantalla. 



Lanthimos (autor de cintas como Canino o Langosta, también con Colin Farrell), ya conocido por tener el sello atípico y extravagante en su filmografía, nos proporciona una película que nos provoca un nudo en la garganta constante durante las angustiosas dos horas de metraje que dura. La primera escena ya es toda una declaración de intenciones para saber si esta película es para ti o no: una operación a corazón abierto en un primer plano apabullante acompañada de una intrigante partitura de violines a todo volumen. Ya con esa escena nos damos cuenta de que estamos a punto de ser diseccionados como público y que al terminar de ver esta película no vamos a salir nada indiferentes.



Este malestar continuo se debe a una terrorífica atmósfera creada por el excelente trabajo de fotografía que convierte a la cámara en un espectador más de la historia. Pero un espectador muy ausente de lo que está sucediendo: ya que toda la cinta se compone de planos rígidos, alejados de los personajes, donde los únicos movimientos de cámara son un simple zoom hacia adelante o hacia atrás y algunos travellings hacia los personajes. Sin duda, aporta sin mucho despliegue técnico una estética fresca al filme, acorde con la frialdad que el director griego nos quiere mostrar.

Este gélido sacrificio es debido también a las notables actuaciones de su elenco, uno de los pilares de la película, todos ellos en unos robotizados papeles. Todos tienen la función de sonar excesivamente formales, pausados e incluso inexpresivos en varios momentos, ya que pretenden transmitir una impostada tranquilidad que va rompiéndose conforme van sucediendo los acontecimientos. Sorprende que la efectiva pareja protagonista (Farrell y Kidman) se hayan querido incluir en este tipo de obras, destacando al joven y misterioso Barry Keoghan, que sin muchas florituras logra atraernos en su terrorífico papel de adolescente no tan ingenuo como parece. La incómoda formalidad de los personajes que ha construido Lanthimos crisparán los nervios a más de uno, acompañado por un guión de ritmo lento pero muy adecuado que consigue la complicada función de entretener e intrigar todo el transcurso de la cinta, con un crecimiento de la tensión constante y con diversas metáforas y alusiones a la mitología griega saliendo más o menos airoso, con diálogos dignos de cualquier obra teatral, algunos rozando el brillante límite entre el absurdo y la lucidez narrativa. 


Y es que ``El Sacrificio De Un Ciervo Sagrado´´ es un torbellino de sensaciones. Todos sus alicientes (también resaltar la curiosa banda sonora, siendo esta la principal causante de la tensión que nos causa el filme, aunque en varios momentos me resultó atronadora) nos hacen sentir una experiencia muy gratificante: pasando de la frialdad/ extrañeza a la impotencia y desesperación, pasando por la agresividad y el temor que sentiríamos todos en esa terrible situación, resultando una efectiva tesis del comportamiento del ser humano en situaciones límite, como por ejemplo, la del miedo a la pérdida, pero a su vez resulta una fascinante (y negrísima) sátira sobre la sociedad que nos rodea y su principal objetivo es la típica familia edulcorada y forzada a más no poder, abordando muchos temas cotidianos y tabú (como la pubertad en los jóvenes, tratada también con total frialdad) en un juego en el que no queda títere con cabeza. Pero tristemente, este torbellino da tantas vueltas que finalmente se marea y acaba vomitando: ya que las mayores sensaciones que sentimos a lo largo de la película son las de la incomodidad y el desconcierto. 



El surrealismo y la tragedia greca que empapan el filme parecen ser una mera excusa para dejar agujeros en la historia, y encima de los grandes. Tenemos que pasar por alto demasiadas cosas que el director nos muestra en pantalla como si todos los espectadores fuésemos conocedores de la tragedia en la que está inspirada (el mito de la caverna de Platón) y amantes del teatro trágico y surrealista, dándole un contexto interesante a la historia pero el cuál resulta atropellado dejando preguntas ya no sin respuesta, si no totalmente de lado. Si es cierto que al leer el relato en el se inspiró Lanthimos después del previo visionado del filme si que encaja todo, y me parece genial que en estos últimos años en los que predomina el cine ligero en el que se nos dan todas las malditas respuestas masticadas por fin se de un golpe en la mesa, que hacen mucha falta, dando pie a numerosos debates después de su visionado.

Difícil de explicar sin caer en spoilers, al terminar el visionado he sentido que visto una sorprendente pero pretenciosa propuesta que aunque logra impactar durante casi toda la totalidad de su metraje, esto no logra contrarrestar la falta de lógica y coherencia argumental que nos intentan esconder bajo una tragedia sobrenatural, dejándonos con una intriga que estábamos sintiendo a lo largo los 120 minutos que dura y que finalmente no ha sido saciada del todo. Aun así, los espectadores con mente abierta y amantes del cine de autor (un cine en que normalmente pasan estas cosas, dando pie a numerosas interpretaciones) la pueden disfrutar y mucho, pero también la pueden odiar terriblemente. No hay punto medio. Lanthimos ha hecho la película que él quería, haciendo un aplastante terror psicológico tomando como referencia los mitos de su país y creo que los que de verdad van a saber apreciar esta arriesgada cinta van a ser los filólogos y aficionados al teatro.




El cine es un arte y lo primero que debería hacer una película es causar debate y dejar poso en el espectador, y este filme lo consigue con creces. Pero lamentablemente ``El Sacrificio De Un Ciervo Sagrado´´ tenía todos los ingredientes para ser un peliculón, y se queda a medio camino por culpa de un guión que se toma muchas licencias y que no dota a su historia de veracidad en sus hechos. Aunque considero a Lanthimos un director muy interesante y prometedor, con propuestas raras pero reales, con mensajes muy sutiles, este ciervo ha sido venerado, como dice su título, pero me temo que ha sido en vano. Este animal resulta ser un pobre corderito a punto de entrar al matadero y ser sacrificado por sus vacías intenciones de grandeza, centrado en lo estético y lo más puramente teatral de sus personajes y pasando completamente de lo psicológicamente complejo de su historia. 

Nota Final: 6,5- Interesante/Notable


viernes, 16 de marzo de 2018

CRÍTICAS EN CÁPSULAS I: YO, TONYA, LA FORMA DEL AGUA, EL RITUAL Y THOR RAGNAROK

¡Hola a todos, lectores y plateados! En la entrada de hoy inauguramos una nueva sección titulada Críticas En Cápsulas, donde haremos unas breves reseñas de diversas películas de gran variedad de géneros. Estrenamos está sección con cuatro cintas de actualidad que se encuentran tanto en salas de cine como en plataformas VOD como Netflix. ¡Comencemos!


Yo, Tonya (Craig Gillespie, 2017)

Apabullante biopic de la patinadora profesional Tonya Harding y de su turbio viaje al éxito a cualquier precio. A nivel interpretativo la cinta está a un gran nivel: Margot Robbie está rebosante de carisma como la protagonista de la función (lástima que compitiese en el año de los Oscars más reñido de los últimos tiempos en cuánto a categoría de interpretación femenina se refiere) y está arropada de forma excelente por un efectivo elenco de secundarios, destacando a la sí oscarizada Allison Janey caracterizando a la despreciable madre de la patinadora y al no menos importante Sebastian Stan que pone todo su empeño en su actuación como la pareja de Robbie en el filme. Aunque se sustente de una premisa y una historia real horrible, todo en ella resulta creíble y para sorpresa del espectador, gratamente divertido, gracias en cierto modo a un gran pulso en la narración por parte de su guión y afiladísimos diálogos, casi más que las cuchillas que emplea Tonya para su patinaje. El montaje también ayuda, y mucho: dota a la película de un nervio y un dinamismo visual explosivos que nos recuerda instantáneamente a la narración del mejor Scorsese (Margot Robbie ya rodó con él en la igualmente dinámica El Lobo De Wall Street) Craig Gillespie nos proporciona un gran biopic sin endulzar el personaje de Harding y a su vez una puntiaguda crítica al en ocasiones grave sensacionalismo de los medios. Tonya hace otro triple salto axel, pero esta vez en la gran pantalla. 



La Forma Del Agua (Guillermo Del Toro, 2017)

Pese a parecer una historia típica cuánto menos, Guillermo Del Toro proporciona a este tópico con patas (exceptuando al anfibio, claro está) una magia típica en sus películas para traernos una hermosa y oscura a partes iguales fábula sobre el amor y el ser diferentes. El director mejicano reúne lo mejor del cine de antaño de los años 50, la época en la que está basada el filme, con los filmes modernos y para colmo termina saliendo airoso. Película que sabe a buen cine, hecha con tal amor al séptimo arte que es imposible no caer rendida a sus pies. Su puesta en escena e ingenio visual convierte a la cámara en un anfibio dentro del agua, como si estuviese nadando al lado de los actores y de sus entornos y dota a la película de un estilo estético entrañable. Sally Hawkins como la solitaria Elisa y Michael Shannon como el temible villano de la cinta (un papel que el actor ha hecho miles de veces y siempre borda) son las actuaciones más destacables de la cinta, los dos están excelentes en sus respectivos papeles. Doug Jones nos ofrece una sólida actuación como el hombre anfibio aunque su trabajo se reside mayoritariamente en el inmenso trabajo de maquillaje, y los demás secundarios están muy bien integrados en sus personajes. También se dejan entrever varias críticas a las minorías sociales de aquel entonces y del horrible comportamiento que recibían estas, ya que en cierto modo la cinta es una historia que reivindica a la gente marginal. Sin perversidades ni excesiva delicadeza, en el nuevo trabajo de Del Toro, vemos una versión depurada de sí mismo, sin dejar de lado sus ideales ni sus ``marcas de la casa´´ por decirlo así y haciendo un maravilloso canto de amor al cine como a el mismo le viene en gana.



El Ritual (David Bruckner, 2017)

Aclamada película de terror inglés, que si bien carece de originalidad y de la agilidad del mejor cine de terror, resulta un viaje a los infiernos muy entretenido y con varios destellos curiosos por el desarrollo de la cinta. Con una efectiva (y gélida) ambientación, unas actuaciones más que creíbles de todo su pequeño reparto (destacando a Rafe Spall, intérprete del episodio de Black Mirror: Blanca Navidad) y una potente narración que no decae en sus 94 minutos de metraje, el director David Bruckner nos da de comer algo que ya hemos catado miles de veces, pero contada con tal pulso y efectividad dentro de su intriga y terror que termina siendo una obra sólida pese a ser poco sorprendente. Aunque apoyada en su gran mayoría en sustos rutinarios y algunos giros argumentales, presenta varios ingredientes de thriller que no le sientan nada mal a su ritmo y premisa, aparte de poseer un espléndido trabajo de efectos visuales, unos personajes muy bien construidos y una tensión bien estructurada. ¿El problema? Que el al ser tan tópica y carente de sorpresas el hype le pasa factura. Los fans del terror  esperábamos que por fin vamos a encontrar una buena cinta que haga justicia al cine de horror en estos tiempos de decadencia para estos filmes (por lo menos yo debido a lo que se deja ver en el avance), y nos encontramos con una película básica, un buen ejercicio de género pero que no es para nada como nos lo han pintado los críticos y estancado en algo ya visto no pocas veces.


Thor: Ragnarok (Taika Waititi, 2017)

Admitámoslo, esta nueva vuelta a las andadas de Thor no es nada fiel al personaje, es más, se burla de él y de todo lo que le rodea, algo que a los fans más acérrimos no ha sentado nada bien. Pero ¿acaso a Thor le encaja ese tono lúgubre que vimos en Thor: El Mundo Oscuro? Tampoco. Taika Waititi ha hecho suyo al héroe del trueno y ha hecho una desternillante tercera entrega del dios asgardiano en la que vemos a un reparto entregado a la causa del que sobresale un espectacular Chris Hemsworth que, cansado de toda la seriedad de sus cintas anteriores en solitario, saca su vis cómica y nos ofrece de ella sin cesar hasta el fin del filme. También llenan de vitalidad la pantalla Cate Blanchett como la malvada Hela, otra demostración del alto nivel que tiene Marvel en estas últimas películas en el apartado de villanos, además de Mark Ruffalo como Hulk y Tom Hiddleston como Loki, que como el resto del reparto, también han venido a pasárselo bien y eso se nota en el carisma de su personajes. Waititi (autor de comedias tan desternillantes como Lo Que Hacemos En Las Sombras) saca el lado más bufón de cada uno de ellos y eso en varios momentos lastra la cinta: esta última entrega del dios del trueno está carente de épica en varias escenas que si lo necesitaban, esta se ve únicamente en las apabullantes secuencias de acción y en algún momento aislado, pero me apena ver que estamos hablando de una película de Thor en la que se muestra el momento más trágico de su vida y no se haya tenido en cuenta ese punto. No digo que tuviese que haber sido el sumun de la oscuridad, pero un balance de seriedad, épica y comedia a la película le hubiese venido de perlas, y aunque el director neozelandés haya hecho un gran trabajo y la mejor entrega de Thor hasta la fecha (aunque no era un trabajo muy difícil), el exceso de comedia (algunos momentos rozan la vergüenza ajena y se notan que han sido improvisados sobre la marcha) revitaliza e ironiza al superhéroe soso que ha sido Thor en solitario pero a su vez la película pierde mucho huyendo de la mitología del personaje y del dramatismo del que carece la película. Llena de colores y de una gran fuerza visual, ``Thor: Ragnarok´´ es un muy buen trabajo de Marvel que no tiene miedo en caer en la autoparodia, y que consigue ser resultona en cuánto a guión y acción y divertida en casi todo su metraje, pero detrás del humor hay una gran desproporción en el supuesto apocalipsis de Asgard.


¡Y hasta aquí la entrada de hoy! Espero que os haya gustado esta nueva sección, y en este caso apoyéis las reseñas (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) como siempre y me contéis vuestra opinión sobre cualquiera de estas cuatro películas sin ningún tipo de vergüenza. Y recordar que si no las habéis visto ¡debéis darle vuestro respectivo voto de confianza! Después de toda esta parrafada, solo me queda despedirme ¡Nos leeremos!

martes, 13 de marzo de 2018

CRITICANDO QUE ES GERUNDIO: ANIQUILACIÓN



  • Título original: Annihilation
  • Año: 2018
  • País: Reino Unido
  • Dirección: Alex Garland
  • Guión: Alex Garland
  • Música: Geoff Barrow, Ben Salisbury
  • Fotografía: Rob Hardy
  • Reparto: Natalie Portman, Óscar Isaac, Jennifer Jason Leigh, Gina Rodríguez, Tessa Thompson, David Gyasi, Sonoya Mizuno, Crystal Clarke, Kumud Pant, Tuva Novotny, Cosmo Jarvis
  • Productora: Coproducción Estados Unidos- Reino Unido; DNA Films/ Paramount Pictures/ Scott Rudin Productions/ Skydance Productions; Distribuida por Netflix
  • Género: Ciencia Ficción/ Thriller/ Thriller Psicológico
  • Sinopsis: Cuando su marido desaparece durante una misión secreta para regresar sin recordar nada, la bióloga Lena se une a una expedición a una misteriosa región acordonada por el gobierno de los Estados Unidos. El grupo, compuesto por 5 mujeres científicas, investiga la zona X, un intrigante lugar controlado por una poderosa fuerza alienígena. La zona X es un lugar al que han ido otras expediciones, pero del que ninguna ha vuelto.


Después de la apabullante Ex-Machina, Alex Garland vuelve a la carga nuevamente con la ciencia ficción y con la intención de no dejarnos indiferentes, como en su debut, con su nuevo proyecto ``Annihilation´´, en lo que para un servidor ha sido el primer derechazo en la mandíbula de este 2018. 



El director inglés esta vez adapta el best-seller de Jeff VanderMeer del mismo nombre a la pantalla (aunque lamentablemente Paramount Pictures no ha arriesgado por ella para su estreno mundial en cines y ha caído en manos de Netflix) y que merecía tener un estreno digno en salas. Y es que Garland nos proporciona una de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos tiempos en un terrorífico cruce entre el cine de terror survival más pesadillesco y la ciencia ficción más contemplativa y alocada, que además resulta un cautivador y estimulante rompecabezas que no dejará indiferente a nadie.



Todo el elenco está fantástico, liderado casi enteramente por mujeres: Natalie Portman está espléndida siendo el eje dramático de la cinta y en un papel que cualquier actriz habría tirado a la basura, y aguanta perfectamente con el peso de la película junto a las otras chicas del reparto. Jennifer Jason Leigh nos proporciona una sobria interpretación al igual que Tessa Thompson y la sorprendente Gina Rodríguez, el cuál su personaje va in crescendo toda la cinta y finalmente desemboca en una de las mejores escenas del filme. Óscar Isaac (el cuál ya repitió con el director anteriormente en Ex-Machina) a pesar de que su aparición se reduce a casi un cameo, siempre da gusto ver a este hombre en pantalla y nos ofrece varios momentos para el recuerdo. Todos ellos hacen un gran trabajo con el libreto escrito también por Garland, donde los personajes resultan muy bien estructurados y definidos. El director, como si poseyera la mano de Dios, ahonda en la psicología de cada uno de sus personajes, y los dirige directamente al camino hacia los infiernos. 






Su proyecto, tristemente ninguneado finalmente en Paramonunt, ya que David Ellison, presidente de Skydance Productions, ya que en un pase de prueba se quejaron de que era demasiado ``intelectual´´ y ``complicada´´ y por ello iba a causar problemas financieros. Querían cambiar el montaje final y pero al final no se salieron con la suya, ya que Netflix compró los derechos de la cinta. Alguien no se leyó el libreto previamente...

Y a pesar de que podría haber sido un batacazo catastrófico en salas (y en Estados Unidos tristemente lo está siendo) ``Aniquilación´´ es un espectáculo de primera categoría y que no trata a los espectadores como tontos: porque tampoco es una cinta de consumo rápido. Y habiendo costado la mitad de lo que cuesta un blockbuster (entre 40 y 55 millones de dólares) luce mil veces mejor que cualquier película de esos niveles hasta llegar en muchos momentos a poesía audiovisual. Su exquisita banda sonora, su espectacular fotografía y su no menos importante trabajo de efectos visuales harán que el espectador se introduzca en esa misteriosa ``Área X´´ en una apasionante experiencia inmersiva. 



Pero no todo tipo de espectador va a poder disfrutar del film como es debido. Alex Garland nos trae una cinta difícil de tragar, con mucha carga filosófica (ya pasó con la también espectacular Blade Runner 2049), y aunque sobre el papel parezca una propuesta que el público medio reclama, con sus respectivas escenas de vísceras, sangre, acción y horror (los mutantes van a causar pesadillas hasta al más escéptico) es más bien un drama/ thriller psicológico sobre lo que supone ser humano, los errores que se cometen por el camino y el camino hasta nuestra aniquilación por esos errores.



Bueno, tal vez como la he descrito parezca un completo coñazo. Pero nada más lejos de la realidad, este psicodélico y brutal viaje causa un efecto cautivador y que deja poso al espectador. Cualquier amante de la ciencia ficción, de las cintas controvertidas o cualquier curioso aficionado al celuloide después de su previo visionado estará buscando como loco teorías sobre ella, y no les culpo, sobre todo debido a su alucinante (y algo pasada de vueltas también) media hora final. 



En unos tiempos bastante tristes en taquilla en cuánto a la ciencia ficción, pero a su vez tiempos maravillosos para el género, ``Aniquilación´´ es lo mejor que ha traído Netflix últimamente a la pequeña pantalla. Ambiciosa como pocas, abierta a miles de interpretaciones y preguntas (varias de ellas existenciales) y que supone también un viaje espectacular a lo más hondo de la mente humana. Junto a sus fantásticas actuaciones y su apabullante puesta en escena, una película que pocos podrán disfrutar. Pero si cumplís con los requisitos para poder disfrutarla, es decir, abrir la mente a nuevos horizontes, sumergirse en este extravagante trayecto que pilota Alex Garland. No la perdáis y juzgad por vosotros mismos. 



Nota final: 9- Muy recomendable

Si habéis sido rápidos y ya la habéis visto, decirnos en los comentarios que os ha parecido ¡que no mordemos y nos encanta leer las opiniones de nuestros lectores! Si os ha gustado esta crítica, hacernos el favor de apoyarla compartiéndola con vuestros amigos en redes sociales y demás bestias, y siguiendo el blog, ¡subiremos contenido muy similar a este! Con todo esto, ¡un saludo y hasta pronto!

domingo, 4 de marzo de 2018

CRITICANDO QUE ES GERUNDIO: BLACK PANTHER


Título original: Black Panther

Año: 2018

País: Estados Unidos

Dirección: Ryan Coogler

Guión: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (adaptado de los cómics de Jack Kirby y Stan Lee) 

Música: Ludwig Göransson

Fotografía: Rachel Morrison

Reparto: Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong´o, Danai Guira, Martin Freeman, Angela Basett, Forest Whitaker, Andy Serkis, Daniel Kaluuya

Productora: Marvel Studios/ Walt Disney Studios 

Género: Acción/Aventuras/Fantástico/Superhéroes/Cómic/Marvel Cómics

Sipnosis: “Black Panther" cuenta la historia de T'Challa quien, después de los acontecimientos de "Capitán América: Civil War", vuelve a casa, a la nación de Wakanda, aislada y muy avanzada tecnológicamente, para ser proclamado Rey. Pero la reaparición de un viejo enemigo pone a prueba el temple de T'Challa como Rey y Black Panther ya que se ve arrastrado a un conflicto que pone en peligro todo el destino de Wakanda y del mundo. 

Ryan Coogler, director de la excelente ``Creed: La Leyenda De Rocky´´, vuelve a repetir la fórmula reivindicativa afroamericana en ``Black Panther´´. El primer cineasta de color en trabajar para los estudios de Marvel hace una gran fusión de culturas en una suerte de mezcla entre el cine de superhéroes, intriga de espionaje, y un thriller futurista por momentos, aparte de tomar como referentes grandes películas como ``El Rey León´´. 



Si en Civil War nos quedamos con ganas de más sobre este héroe africano, ahora que ha llegado su película en solitario, acabamos saciados acerca del personaje de Chadwick Boseman. El actor hace un gran trabajo como el nuevo monarca de Wakanda, pasando de ser un serio e imponente rey a ser un héroe de acción que quita el aliento, pero lamentablemente el héroe de su propia película es colapsado por el villano de la historia. Michael B. Jordan (repitiendo con Coogler después de Creed) es de los mejores villanos que he visto en Marvel y en el cine de superhéroes últimamente. Dejando de lado sus intenciones, empatizas a la perfección con él y hasta hay instantes en los que estás de su lado, gracias al joven intérprete aparecen los mejores momentos y giros de la película. Lastima que sus secuaces no estén a su nivel, simplemente correctos, de los que sólo destacan Andy Serkis como Ulysses Klaun y su brazo biónico incluido.


B. Jordan cuelga los guantes de boxeo para ser el imponente Killmonger.
Andy Serkis y Martin Freeman o Gollum vs Bilbo Bolsón.

La hermana de Black Panther también saca sus garras.
Y esto no es todo, si no que Coogler ha repartido bien la carga dramática y el carisma de la película en todos sus personajes principales, y el trío compuesto por Lupita Nyong´o (12 años de esclavitud) Danai Gurira (The Walking Dead) y Letitia Wright aprovecha con creces su dosis. Menudas tres guerreras. Ellas son una de las demostraciones del empoderamiento fememino en el cine actual y eso me encanta. Derrochan carisma por todos lados y sus actuaciones resultan divertidas, épicas y furiosas a partes iguales. El elenco de secundarios (formado por Forest Whitaker, Angela Basett, Martin Freeman y Daniel Kaluuya) cumple con creces el papel que les asigna.


El guión firmado por Coogler y Joe Robert Cole es muy sólido y lleno de giros argumentales, sin que este resulte enrevesado, a pesar de que no se da profundidad a algunas cosas que si lo necesitaban y resultan algo inverosímiles hasta para ser una cinta de superhéroes. La acción está muy bien repartida, sin que resulte excesiva y tomándose tiempo en introducir la trama sin que la cinta resulte aburrida. Pero el principal problema de ``Black Panther´´ ha resultado ser el matiz que más tenía seguro que iba a salir bien: los efectos especiales y la forma de grabar algunas escenas de acción. Aunque tiene momentos visuales brillantes, el CGI canta en varios momentos y pocas veces están cerca del nivel al que tiene acostumbrados Marvel Studios. Sin llegar a ser malos en absoluto, en ocasiones resultan bastante flojos y esto afecta a la hora de las escenas de acción, ya que hay momentos que cansan a la vista por sus mareantes movimientos. Si es cierto también que a la cinta le sobra algunos minutos de metraje y a veces pesa en la trama, pero resulta muy entretenida y sin decaer en ningún momento. 



También destacar su espléndida banda sonora, tanto las piezas compuestas por Lugwig Goransson como las canciones creadas para la ocasión por raperos de renombre como son Kendrick Lamar, The Weeknd y Future, acompañan a la perfección las diversas escenas del metraje. Un excelente acompañamiento que encaja justamente con lo requerido: un toque urbano y afroamericano, pero a su vez también acorde con el tema de la tribus africanas, resultando también un trabajo musical cuidado hasta el extremo. Va a estar unas semanas sonando en bucle en mi teléfono.



El dilema político y mensaje que transmite la película es muy necesario en los tiempos que corren actualmente, una historia con personalidad propia que encaja perfectamente en el engranaje al que pertenece. Las tradiciones africanas y las batallas en la cascada (y sin efectos especiales, todo hay que decirlo) resultan ser lo mejor de esta Pantera Negra que se presenta como un nuevo gran héroe, y que resulta una propuesta fresca en un género tan trillado cómo es el género de superhéroes. Con la calidad de Marvel estos últimos años no damos abasto. 



``Black Panther´´ asalta todas las pantallas del mundo en una versión reivindicativa de Marvel nunca antes vista que por fin sitúa bien a los afroamericanos en el género superhéroico. Un canto a la diversidad de raza, África y su cultura que, a pesar de sus fallos, acaba siendo una experiencia más que recomendable en el cine, con efectivas actuaciones y que mantiene el nivel al que Marvel nos tiene acostumbrados (a excepción del CGI, claro). 

Nota: 8,5- Recomendada



¡Y esto ha sido todo! Sentimos la tardanza, pero con lo que no damos abasto es con el exceso de estudio y trabajo que tenemos. De todos modos, espero que la ``espera´´ haya merecido la pena y os haya gustado la entrada de hoy, en este caso haced el favor apoyarla en vuestra redes sociales y siguiendo este blog convirtiéndote en un plateado, ya que los siguientes posts van a tener la misma ``calidad´´ que este. Espero que os haya gustado y sólo me queda despedirme ¡nos leemos! 

domingo, 4 de febrero de 2018

CRITICANDO QUE ES GERUNDIO: BRAWL IN CELL BLOCK 99






  • Título original: Brawl In Cell Block 99
  • Año: 2017
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 132 minutos
  • Dirección: S. Craig Zahler
  • Guión: S. Craig Zahler
  • Fotografía: Benji Bakshi
  • Reparto: Vince Vaughn, Jennifer Carpenter, Udo Kier, Don Johnson, Marc Lucas, Tom Guiry, Dan Amboyer
  • Productora: Assemble Media/ XYZ Films/ Cinestate/ Caliber Media Company
  • Género: Thriller. Drama Carcelario. Drama. Crimen. Neo Noir. Cine Independiente USA
  • Sinopsis: Bradley es un exboxeador con un matrimonio a punto de romperse que pierde su empleo como mecánico de coches. Debido a esta sensación pesimista, acaba decidiendo que su mejor opción es trabajar para un viejo amigo como traficante de drogas. Esta decisión mejorará su vida hasta que se ve envuelto en un tiroteo entre la policía y sus aliados; situación que le acaba llevando a la cárcel... 


Para empezar, esta película no ha sido estrenada en España, ni tampoco tiene fecha para próximamente, así que doy por sentado que muchos desconocéis la existencia de esta película antes de la lectura de esta crítica. Probablemente no lo conozcáis, pero su director, S. Craig Zahler, también fue el autor de otra joya encubierta llamada Bone Tomahawk, un western con tintes de terror gore que sorprendió a todos (los que la vieron, claro) y qué si no la habéis visto os recomiendo que la veáis (aunque si sois muy sensibles como que no). Dicha esta introducción, empezamos con...




LO BUENO:

LAS ACTUACIONES: Vince Vaughn, una cara conocida en las típicas comedias chorras americanas, nos sorprende saliéndose de su zona de confort y, para nuestro asombro, ofrece su mejor actuación en años. Una visceral bestia con la que empatizamos, reímos y lloramos a pesar de presenciar la facilidad (pasmosa) y tranquilidad con la que aplasta cráneos a golpe de pisadas (si, habéis oído bien). El resto del reparto está correcto, sin más, hacen lo que pueden con sus respectivos papeles (porque aparte del protagonista, la escritura y matices del resto de secundarios es bastante plana, aunque tampoco era necesario darles más trasfondo del necesario) aunque hay que destacar a dos estrellas que hace tiempo que no veíamos en pantalla: Don Johnson como el terrorífico alcaide de una de las cárceles por las que pasa su protagonista, y a Udo Kier como el malo malísimo de la cinta. 


Don Johnson y Vince Vaughn, El rock de la cárcel

Udo Kier: ¿Tengo cara de traer buenas noticias?

EL GUIÓN: ¿Su trama es tópica? Sí. ¿La hemos miles de veces en otras películas? También. ¿De mejor manera? Pocas veces.
Zahler coge una trama vista a más no poder y le da un estilo y ritmo impresionante, un lavado de cara que hace que la cinta se vea como algo original y fresco. El director imprime su sello y eso es algo de agradecer en un mundo de blockbusters cuyos directores tienen todos el mismo estilo comercial guiado por las distribuidoras (otro punto a favor que sea independiente). Además, tiene sus sorpresillas; cuándo crees que va a ir hacia un lado, va hacia el otro y siempre está evolucionando (su ritmo y personajes) hacia arriba, en un crescendo lento pero firme a la par que intenso y que desemboca en un acto final demente y rollo grindhouse/serie B que no te esperarías viendo el resto de su metraje (otro sello de su director, él hacer de su acto final algo completamente diferente al resto de la película y en el que se incorpora el gore y excesos del director; cosa que también vimos en Bone Tomahawk)



TONO: Esa manera en la que cambia de tono sin despeinarse, del thriller de su primer tercio al drama carcelario de su mitad, al cine grindhouse ochentero más macarra (y algo cutre, pero a posta, claramente); y nada desentona, nada parece cómo si saliese de otra película, todo encaja bien con todo aunque me parezca extraño, dado que hay partes que son cómo la noche y el día, pero eso es debido a su constante evolución y que nunca para, no hay momentos de descanso.




ESTÉTICA Y BSO: Estéticamente tiene un rollo ochentero que a mí me encanta, sin demasiadas florituras ni encuadres perfectos a la hora de grabar, solo alguien grabando con pulso y pasión, cómo ataño, y poniéndole corazón a la película (algo ausente recientemente en el cine), y eso me hace recordar a esa era dorada del cine que fueron los 70-80's. Eso sí, también me recuerda en su banda sonora, hecha con sintetizador o dotada de canciones de esos maravillosos años, que a pesar de ser casi ausente en la película, acompaña muy bien el viaje de nuestro héroe, que también recuerda a los típicos héroes de acción, sin super gadgets ni nada por el estilo, solo su fuerza de voluntad y puños. Toda ella es un homenaje perfecto a esa época.

NIVEL DE DISFRUTE: Yo hacía tiempo que no me lo pasaba tan bien con una película, independientemente de su valor cinematográfico; la he disfrutado pero no desde el punto de vista de un crítico (sacándole fallas de cómo está hecho esto y cómo lo otro), he disfrutado de ella, y me es imposible sacarle un fallo en el ámbito cinematográfico porque no la vi de ese modo, estaba tan absorto en ella que me olvidé de todo, cosa que me pasa muy de vez de en cuándo (cabe destacar que la vi bien empezada la medianoche, hora a la que normalmente me duermo con las películas).




LA ACCIÓN: Yo no diría que es un film de este género, puesto que no es su principal objetivo, pero destaca su particular manera de grabar las secuencias de acción: planos fijos, encuadres abiertos en él que lo vemos todo a pesar de que la cámara no se mueve. Claro y conciso, cómo la película en sí. Además, no veremos de manera tan salvajemente violenta la acción en películas comerciales (otra cosa en la qué se nota que no es controlada por un gran estudio, libertad creativa en su director); caras restregadas en el suelo, golpes que rompen huesos, reventadas de cráneos y mucho más; sé que sonará algo sádico, pero a mí, que soy seguidor del gore, cinematográficamente hablando, me gusta este tipo de violencia: exagerada y bien representada, además que, tras 1 hora y pico (no lo sé exactamente, se me pasó volando) sin violencia y solamente sustentada en el diálogo, es un gustazo ver explotar la violencia de manera tan satisfactoriamente bestia. 



Cabe decir que me recuerda en este aspecto, y en otros, a uno de mis directores favoritos: el señor Quentin Tarantino, él cuál se nota que es una inspiración para nuestro anfitrión S. Craig Zahler. Muchos lo acusarán de calco al maestro Tarantino (pero el mismo director lo fue de otros directores y dijo que la mayor fuente de inspiración de un artista es coger elementos de cosas que te gusten y meterlos en tu obra). Puede que sea calco, inspiración... pero no hay duda en que el señor Zahler va siguiendo los pasos del maestro Tarantino (en dos obras ya ha impuesto su estilo y sello característicos, y tiene una maestría impropia de un debutante cómo él, se nota que es un amante del cine).

Tiene un alcance para un público más amplio que su debut anterior, y eso hará que el nombre de su director se extienda más por la gente y eso hará que los grandes estudios se fijen en él y pueda controlar presupuestos mayores y... no me quiero imaginar lo que puede salir de ahí. Este hombre va a ser grande en el cine, ya veréis, apuntad mis palabras. Esta película dentro de unos años será considerada de culto cómo ya lo es, para algunos, Bone Tomahawk. Aunque esto es sólo suposición y entiendo que no tengáis mi mismo punto de vista.



LO NEUTRO:

Y aquí ya voy a ser muy quisquilloso, habrá personas a las qué su acto final no les agrade (justo al contrario que a mí) porque se sale de la tónica general de lo que la película venía y contiene la mayoría de escenas bestias que no a todos gustarán. Aunque eso es lo que tienen algunos directores: son de sello "Lo amas o lo odias".

La ausencia de banda sonora puede ser un problema para algunos espectadores, careciendo de dinanismo a algunas escenas. 



Vince Vaughn pasa de hacer que nos partamos la caja a partir huesos en ``Brawl In Cell Block 99´´. Contundente y sin rodeos, me parece un peliculón digno de un maestro como el mismísimo Tarantino de antaño, y la cuál creo que va a ser de mis películas favoritas vistas este año, aunque acabe de empezar. 

Valoración: 9/10- Recomendada

Tráiler:

PD: Perdón por tardar tanto en subir estas entradas, ¡estamos ocupados y el tiempo no nos da para más!



Si no la habéis visto, vedla ya y poned en los comentarios que os ha parecido. Lo mismo digo a los que habéis tenido la suerte de verla, ¡siempre nos gusta leer las opiniones de nuestros lectores! Si os ha gustado esta crítica, apoyarla compartiéndola con vuestros amigos en redes sociales y demás bestias, y siguiendo el blog, ¡subimos contenido muy similar a este! Con todo esto, ¡un saludo y hasta pronto!

sábado, 27 de enero de 2018

CRITICANDO QUE ES GERUNDIO: TRES ANUNCIOS A LAS AFUERAS



  • Título Original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
  • Año: 2017
  • País: Reino Unido
  • Dirección: Martin McDonagh
  • Guión: Martin McDonagh
  • Música: Carter Burwell
  • Fotografía: Ben Davis
  • Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, Peter Dinklage
  • Productora:  Blueprint Pictures/ Fox Searchlight
  • Género: Thriller/ Drama/ Comedia/ Comedia Negra
  • Sinopsis: Mildred Hayes, una mujer de 50 años cuya hija ha sido asesinada, decide iniciar por su cuenta una guerra contra la policía de su pueblo al considerar que no hacen lo suficiente para resolver el caso y hacer justicia. 


El director Martin McDonagh, director de un peliculón cómo el que para mi es Siete Psicópatas, nos trae esta película, reciente ganadora de 4 Globos De Oro, que hoy nos ocupa. La película utiliza de macguffin los tres carteles que dan lugar al título, los cuáles nuestra protagonista usa para protestar la violación y asesinato de su hija y el caso omiso por parte de la policía local. Y hasta aquí puedo leer, lo mejor es que vayáis a verla lo más vírgenes posible, porque así disfrutaréis más de ella... 


``Tres Anuncios En Las Afueras´´ ha conseguido hacer un recorrido por el lado más violento y furioso de todos nosotros. Todo lo que sucede después de la creación de los carteles podría deprimir hasta al más optimista: suicidios, incendios, agresiones físicas y verbales, desfiguramientos faciales... Pero si en la cinta no todo es tristeza, es debido a que el director Martin McDonagh incorpora al relato de forma sorprendente (y sin resultar nada forzado) generosas dosis de humor: que van desde la comedia negra al ``slapstick´´ más tontorrón, y haciéndonos empatizar con cada uno de sus dañados personajes. McDonagh ha hecho de su película un afilado cuchillo en el que estar hurgando constantemente en la sangrante herida, que funciona como un brutal retrato de la América Profunda y de su en ocasiones pésima resolución de los crímenes.


Todo el reparto está excelente y hace que su guión sea aún más bueno de lo que es. Los personajes no son nada arquetípicos: la cinta huye de buenos, malos y lágrimas: todos tienen su razón de ser y una profundidad poco frecuente en estas películas. Desde la protagonista, Mildred, presentada como una mujer ruda y fuerte (y no es nada equívoco) pero que a su vez es gratamente adorable y tierna. Gracias a la tremenda actuación de Frances McDormand esta historia de los pueblerinos de Ebbing, Missouri es una montaña rusa de emociones: es una mujer real, de nuestro mundo, cuándo ella siente odio, nosotros lo sentimos, ella llora desconsoladamente cuándo nosotros mismos lo hacemos y se alegra de la misma manera que nosotros. Todos los premios que reciba esta actriz son merecidísimos. 

Qué diablos, si hasta esa especie de villano caricaturesco que es el personaje el espléndido Sam Rockwell resulta ser un trozo de pan. Es un policía racista, paleto, sin pelos en la lengua y con mucha ira contenida que terminará desembocando en varios de los momentos más divertidos y violentos del metraje. Este personaje, al igual que los demás, sufre una tremenda evolución a lo largo de los 112 minutos que dura la película pasando de ser un estereotipo de policía patoso malvado a ser un individuo mucho más humano de lo que parece. Todo esto es gracias un grandioso trabajo de guión y montaje en el que nada chirría y todos los personajes resultan ser contradictorios: son buenos, a su vez malos, pero sobre todo, personas. Y hay una parte de todos ellos con la que conseguimos identificarnos. 



Y para finalizar este trío de ases, Woody Harrelson saca su faceta más detectivesca para traernos al jefe de policía William Willoughby en una interpretación que sí, es la que menos brilla del triángulo actoral, pero su presencia resplandece con luz propia y nos ofrece una interpretación solvente. Además, estos tres actorazos son arropados por un efectivo y notable elenco de secundarios como son Abbie Cornish, Peter Dinklage y demás caras conocidas.



La fotografía también es otro punto aparte: tiene planos dignos de enmarcar y plasma a la perfección ese aire rural y seco que rebosa su paisaje. La banda sonora también resulta muy buena y hace que nos introduzcamos aún más en el entorno de Missouri. 

Con un sentido del humor amargo y afiladísimo, Martin McDonagh consigue elevar el significado de ``sarcasmo´´ al máximo exponente. Si bien esta palabra significa ``burla sangrienta, ironía mordaz y cruel con que se ofende o maltrata a alguien o algo´´ según el diccionario, el guión es un reflejo del lado menos amable de la sociedad rural que no se deja llevar por el drama de la trama principal, y constantemente se digna a remarcar el absurdo y lo patético que es en algunas ocasiones el ser humano, con diálogos llenos de mala baba soberbios en un libreto casi perfecto. Pero no todo es humor y agresividad, la película nos engaña constantemente y cuándo piensas que ya sabes por dónde van a ir los tiros, recibes un gigante bofetón en la cara que no pararás de recibir hasta que salgan los títulos de créditos. Y es que cuándo te percatas de que en una misma escena se pasa en cuestión de segundos de la comedia más divertida al drama más desgarrador, es cuándo te das cuenta de que estás viendo una cinta digna de admirar.



Nadie es el villano, ni nadie es el héroe, ni siquiera terminamos de averiguar todo lo ocurrió en torno al crimen en el que giran las vallas publicitarias. Porque estas tres vallas resultan ser un retrato del ser humano, de cómo nos comportaríamos en aquella situación, atrayendo nuestros sentimientos más primitivos, descuidando las consecuencias que podrían venir después. 


``Tres Anuncios En Las Afueras´´ es la pulla convertida en película. No termina de ser redonda debido a un pequeño cambio de tono en su mitad final, pero es una cinta digna de ser aclamada con un gran manejo del guión y el montaje a la hora de ahondar en los sentimientos del espectador y con unas actuaciones de aúpa. Ni se os ocurra perdérosla. 





¡Y hasta aquí la entrada de hoy! Espero que os haya gustado, la apoyéis (compartiéndola en las redes sociales y demás bestias) como siempre y me contéis vuestra opinión sobre la cinta en los comentarios sin ninguna vergüenza, ¡que estamos encantados de leeros!. Y si no la habéis visto, ya sabéis que debéis darle vuestro respectivo voto de confianza. Después de toda esta parrafada, solo me queda despedirme ¡Nos vemos!